domingo, 30 de octubre de 2011

Diego Luna: Nueva producción teatral y regreso a la dirección de cine el año próximo



El actor, productor y realizador mexicano Diego Luna presentó su nueva incursión teatral, con el estreno de una obra inédita en los escenarios, "Exposición", del catalán Toni Martín, que a partir de la próxima semana protagonizarán Ximena González Rubio, Mónica Dionne, Marco Treviño y Juan Carlos Barreto, bajo la dirección del argentino Marcelo Jaureguiberry. Tras su exitoso debut como realizador de ficción con "Abel", el excharolastra está terminando un guión de comedia -junto de nuevo a Augusto Mendoza- que se llamará "Mr Pig".

Este último extremo lo contó a El Universal su socio en Canana Pablo Cruz, quien no dio más detalles, aparte de que confiaba en dirigir la cinta el año entrante. Aunque Diego ya había realizado un documental, su opera prima en cine fue "Abel" (2010), que cosechó honores en distintos festivales, dos Ariel, y tuvo una destacable taquilla.

El propio Luna prefirió hablar del teatro, al que calificó como "acto de fe". En su caso, una fe recompensada, porque tanto la última pieza que produjo, "Incendios", como la anterior que protagonizó dirigida por John Malkovich, ""El buen canario", contaron con la complicidad de un nutrido público.

Ahora se limita a producir esta obra española que se representará desde el 4 de noviembre en el capitalino Foro Shakespeare, sobre un artista que inaugura una exposición y recibe una crítica muy negativa de un amigo crítico de arte, lo que le hace enfrentarse con el pasado y reencontrarse con un antiguo amor de su juventud.

"Mi papá me enseñó a ver el teatro, y el cine me gusta verlo antes que hacerlo, de ahí que me guste tanto producir. Ser productor es una posición increíble, lo adoro, pero creo que lo importante es no menospreciar al público, ser responsable y aventarse a hacer este tipo de proyectos", explicó Luna, de 31 años.

El astro mexicano se sintió muy impresionado con el texto de la obra: "Todos podremos tener una visión distinta de ese libreto, por suerte, cada quien verá la obra que quiere ver. Terminé preguntándome quién soy. Mientras la leía me excité, porque también es una obra "cachondísima", pero a la vez te hace sentir fatal porque te hace sentir muy miserable, sobre todo cuando el amor y el egoísmo es más fuerte que todo lo demás".

Luna tiene pendientes de estreno varias cintas norteamericanas en las que actuó: La comedia "Casa de mi padre", "Contraband" y "Elysium", actualmente en filmación en Canadá.

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viernes, 28 de octubre de 2011

Conoce un poco más a...: Jazz Vilá

Después de varios meses sin actualizar esta sección volvemos por todo lo alto ya que contamos en "Conoce un poco más a..." con el actor cubano Jazz Vilá, de actualidad por su interpretación de La China en la película de zombies cubana Juan de los muertos de Alejandro Brugués, la cual pudimos ver en Sitges y de la que os pusimos la rueda de prensa en el festival catalán. Actor curtido en el teatro, a Jazz Vilá también le hemos podido ver en la primera película de Alejandro Burgués, Personal Belongings.

Por último queremos agradecer a Jazz su amabilidad y desearla muchísima suerte con Juan de los muertos y en sus futuros proyectos.




1. ¿Que te motivó a ser actor?

Mi madre que me inscribió en un taller de teatro, desde entonces vivo enamorado de esta profesión.

2. ¿De cual de tus trabajos estas más orgulloso?

Ícaros, una obra que hice hace algunos años con Teatro El Público y en cine Juan de los muertos.

3. ¿Qué personaje sueñas con interpretar?

Edipo.

4. ¿Con quién ardes en deseos de trabajar?

Con Alejandro González Iñárritu y Blanca Portillo.

5. ¿Si no fuera actor habría sido…?

Sin lugar a dudas economista.

6. ¿Cuál es tu película favorita de todos los tiempos?

El gran dictador.

7. Un director clásico y uno actual

Luchino Visconti y Steven Spielberg

8. Un actor clásico y uno actual

Charles Chaplin y Sean Penn

9. Una actriz clásica y una actual

Bette Davis y Meryl Streep

10. Una película clásica latinoamericana

“Memorias del subdesarrollo” de Tomás Gutiérrez Alea

11. Una película actual latinoamericana

“Quemar las naves” de Francisco Franco Alba

12. Una serie de Tv

Uuufff tengo varias, pero la primera que siempre me viene a la mente es Brothers & Sisters (Cinco hermanos).

13. Un libro y un escritor

“Momo” de Michael Ende y Shakespeare

14. Un estilo musical y un grupo o cantante

Escucho de todo, pero de preferencia la música clásica. Un grupo: Boney M y un cantante Michael Jackson.

15. Un deporte, un deportista y un equipo

El tenis y Rafa Nadal.

16. Una comida

Spaghetti al pesto

17. Una ciudad y un país

New York y el mundo.

18. Si pudieras viajar en el tiempo ¿a que época y a que lugar viajarías?

A Tokio dentro de 100 años.

19. Una virtud y un defecto de ti mismo

El amor al arte y la intolerancia

20. Un sueño por cumplir

Subir a la sima del Kilimanjaro antes que se derritan sus nieves perpetuas. Es la montaña más alta de África y la única del continente donde hay nieve.
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martes, 25 de octubre de 2011

Europa Distribution anuncia alianzas con Ventana Sur y Cine en Construcción para difundir cine latinoamericano


En el marco de la tercera edición de Australab, Europa Distribution International (EDI), la red de distribuidores independientes europeos que cuenta con el apoyo de Media Mundus, anunció sus planes de crear alianzas con Ventana Sur y Cine en Construcción, además de Sunny Side of the Doc, para promocionar al cine latinoamericano.

“La idea es promocionar las películas que ganan en estos lugares”, indica a LatAm Cinema, Olivia Le Dain, representante de EDI, acerca de este plan aún está en proceso pero que prevé ponerse en marcha en 2012.

Con Ventana Sur se planea difundir la película ganadora de Primer Corte entre los integrantes de la red, que ya alcanza a 110 distribuidores de 25 países europeos más Canadá. “Vamos a abrir un screening room en la plataforma Cinando y vamos a poner la película ganadora para que aquellos que conforman la red puedan verla”, explica sobre el proceso que permitirá dar visibilidad a la seleccionada entre una destacada cantidad de posibles compradores.

“Lo mismo es con Cine en Construcción, y con Sunny Side of the Doc la idea es promocionar dos documentales de Latinoamérica y dos de Asia”, agrega.

Cabe destacar que además la red cuenta con un fondo para fomentar el lanzamiento de películas latinoamericanas, entre las que se cuentan “Carancho”, “Hermano”, “Post Mortem” y “Rompecabezas”.

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lunes, 24 de octubre de 2011

8ª Diáspora - Muestra de Cine Colombiano de Barcelona - Crónica


Ayer domingo finalizó la 8ª Diáspora Colombia-Barcelona 2011 que cada año tiene lugar en la ciudad catalana. Este año además contaba con cortos, documentales e incluso una película que llegaban de Brasil. Un año mas, y ya van 4, Cine Latino cubrió la Muestra de Cine Colombiano (que solo es una parte de toda la Diáspora), y una vez mas hubo que compaginar una parte con el Festival de Sitges, pero la verdad es que valió mucho la pena ya que pudimos gozar de tres buenas películas, entre ellas la presentada por Colombia a los Oscar, Los colores de la montaña y también de una documental, Uno, la historia de un gol.

Aquí os dejamos la crónica de la muestra de este año:

LOS COLORES DE LA MONTAÑA



Manuel, un niño de nueve años, que juega al fútbol todos los días en el campo con una vieja pelota, sueña con llegar a ser un gran guardameta. Su alegría es enorme cuando, Ernesto, su padre, le regala un balón nuevo; pero, desgraciadamente, un accidente inesperado hace que el balón caiga en un campo minado. A pesar del peligro que supone, Manuel, que no está dispuesto a renunciar a su balón, convence a sus dos mejores amigos, Julián y Poca Luz, para que le ayuden a recuperarlo. En medio de las aventuras y los juegos infantiles, los signos de un conflicto armado empiezan a perturbar la vida de los habitantes de La Pradera.

Notable película debut del joven director Carlos César Arbeláez. Se podría hablar de Los colores de la montaña como la típica película colombiana que nos habla de la guerrilla, pero nada más lejos de la realidad. Aunque las FARC, los paramilitares y el ejercito es el transfondo de esta cinta, lo que la hace original es que esta contada desde la perspectiva de unos niños, de cómo ven ellos el conflicto armado colombiano. Situada en un pueblo montañoso colombiano, estos niños viven junto a unos padres que siempre están con el miedo en el cuerpo por que les pasará mañana y como les afectará la situación, mientras los niños solo se dedican a jugar al fútbol y a estudiar, eso si, cuando tienen algún profesor ya que muchos se van por miedo a la guerrilla. Los colores de la montaña se convierte en una tierna mirada a un horrible conflicto que azota hace ya demasiados años al país cafetero, y lo hace sin caer en la lágrima fácil y sin ningún tipo de manipulación sentimental.

KAREN LLORA EN UN BUS



Karen llora en un bus es una historia de emancipación. En ella, Karen –una mujer joven- decide poner fin a su matrimonio de diez años y reconstruir su vida a partir de la búsqueda de experiencias propias que se verán atravesadas por el sacrificio, la vergüenza y la amargura redundante que ofrece una ciudad como Bogotá. En medio de su nueva vida, Karen encontrará refugio en la amistad de Patricia, una peluquera diez años menor que ella y Eduardo, un escritor y profesor escolar, quienes encauzarán la nueva vida de Karen y pondrán a prueba su voluntad.

Karen llora en un bus es otra de las óperas primas que hemos podido ver en la muestra, en este caso del director bogotano Gabriel Rojas Vera. Interesante drama sobre la emancipación de una mujer casada y harta de su vida conyugal. Con una excelente Angela Carrizosa como cabeza de reparto, la película tiene un ritmo pausado, aunque nunca cansino, y navega un poco entre el drama y algún momento de humor sutil. Karen llora en el bus es una nueva demostración de que en Colombia también se empiezan a hacer película alejadas de sus conflictos y problemas sociales.

TODOS TUS MUERTOS



Es domingo, día de elecciones, Salvador se levanta temprano y comienza a trabajar en su parcela. Es un campesino humilde y tranquilo que hace poco caso del alboroto que se ha armado en el pueblo por la elección del próximo alcalde, pero su rutina cambia sorpresivamente: durante la madrugada alguien ha arrojado varios cadáveres que se amontonan macabramente en medio de sus cultivos de maíz. Así, el repentino cambio en la vida de Salvador es el detonante de esta trama que raya entre la comedia negra y el absurdo.

Decepcionante, así se podría calificar la nueva propuesta de Carlos Moreno, tras la estupenda Perro come perro, un híbrido entre drama, comedia negra y surrealismo que no funciona completamente en ninguna de sus facetas y se queda a medio camino de todo. No se puede achacar sin embargo una mala dirección ni fotografía, siendo ambas buenas, pero si al guión, justito y a una narración intermitente e irregular que termina por dejar una sensación de vacío que no logra superar la película, pese a momentos de quilates que no terminan más que ser un espejismo dada la referencia con la que venía. Y no se trata de ser una película de acción o dinámica sino de no divagar sin un punto claro de referencia que termina en tierra de nadie. Afortunadamente se deja ver y no puede ser considerada una mala película pero nos esperábamos mucho más.

UNO, LA HISTORIA DE UN GOL



En 1981, El Salvador atravesaba una guerra civil que duró 12 años, y que le costó la vida a más de cien mil salvadoreños. En ese mismo año, la selección salvadoreña de fútbol logró clasificarse al Mundial de España 82. El Salvador perdió 10-1 contra Hungría en su primer partido, hasta la fecha, la peor goleada en la historia de esta competición, y la única vez que El Salvador ha logrado anotar un gol en Copas del Mundo. Con una patria dividida por la guerra y satanizada por la prensa mundial como una cuna de guerrillas, la selección de fútbol de este pequeño país centroamericano logró unir a su gente, brindándoles ilusión. Una auténtica historia de David contra Goliat, una historia de gran esperanza y decepción.

Documental salvadoreño-colombiano que trata sobre un tema deportivo, aunque con un importante transfondo histórico-social-político. El salvadoreño Gerardo Muyshondt y el colombiano Carlos Moreno dirigen este documental con buena mano, sabiendo manejar muy bien los momentos tristes con los de felicidad. En todo momento nos metemos dentro de lo que nos cuenta, sufrimos con la goleada que les endosa Hungría y saltamos de alegría con el gol marcado por Zapata. Pero lo mejor del documental no es todo los dicho hasta ahora, si no las pequeñas anécdotas e historias que nos llegan a través de sus protagonistas, los momentos que tuvieron que pasar, tanto buenos como malos, ya no solo durante los partidos, si no en la clasificación, el él viaje hacía España, los partidos del mundial, el hotel, los entrenamientos, como los veía la prensa española en esos momentos, etc… Si peca de algún defecto este maravilloso documental es que quizás tendría que haber sido un poco mas largo, en vez de 60 minutos, unos 90, y así podría haber profundizado más en la parte social y política del país en ese momento de su historia. Aún así, sensacional.


Por desgracia nos perdimos la película La sociedad del semáforo de Rubén Mendoza y la película brasileña Chico Xavier de Daniel Filho. También nos quedamos con las ganas de ver el documental animado Pequeñas voces. Pero bueno, esperamos que el año que viene no coincida en fechas con Sitges y podamos ver toda la programación y que más gente pueda acercarse al Maldà para ver estas buenas propuestas de cine latinoamericano.

Hasta el año que viene!!!!
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domingo, 23 de octubre de 2011

Crónica del Festival de Cine Fantástico de Sitges 2011 - Entrevista a Jaime Osorio Márquez

Para finalizar con todo lo que pudimos vivir en Sitges, os ponemos la interesante entrevista que pudimos hacerle al primerizo director caleño Jaime Osorio Márquez que con su película El páramo se llevó el premio Nova Autoria a la mejor dirección junto a los brasileños Juliana Rojas y Marco Dutra por Trabalhar Cansa, que premia a los mejores directores en una primera película.

En la entrevista Jaime nos habló de su película, pero también de sus inicios y del cine colombiano actual, así que no os la perdáis ya que vale mucho la pena.



El páramo es tu primera película, ¿nos podrías hacer un resumen de tus anteriores trabajos?

Trabajaba en publicidad. Después de estudiar cine y teatro en Rennes entre a la universidad y me dediqué a hacer comerciales. No he hecho ningún cortometraje, solo en la universidad como trabajos universitarios, pero he estado 10 años haciendo publicidad.

¿De donde surgió la idea de El páramo? ¿Qué te motivo a contar esta historia?

A mi me gustan las historias de terror, me contaban historias de terror cuando era pequeño, sobre espantos latinoamericano, sobre las brujas, la patasola o la llorona, así que surgió de allí, pero bueno, naturalmente Colombia es un país donde se vive el terror, es un país donde se viven muchísimos traumas, así que también es natural para un cineasta querer explorar eso y confluyen estos dos temas. Colombia es un país donde el horror se vive realmente, no se requieren de fantasmas para asustar a la gente, no hay castillos ni palacios victorianos embrujados, el miedo es algo cotidiano, el sufrimiento, el horror de la guerra es algo cotidiano, así que realmente son dos cosas que van mucho de la mano. Después lo junte con todo este relato sobrenatural para que quedara este miedo puro.

¿Dónde se rodó la película, en que localización?

Se rodó en una parte del Parque Nacional Natural de Los Nevados, que es sobre la parte colombiana de la cordillera de los Andes, en una base militar real a 4300 metros de altura.

¿Cómo fue el rodaje?

El rodaje fue muy duro para todo el equipo porque estaba muy alto. Todos los días teníamos que desplazarnos en autobús durante una hora y media para llegar a la montaña donde estábamos rodando, allí subir esas escaleras interminables que se muestran en la película y después seguir subiendo durante 20 minutos, así que llegar a la localización ya era una travesía. Y rodar este tipo de escenas tan fuertes, tan violentas, tan dramáticas, donde no hay mucho espacio para la distensión, socavaba la integridad del equipo. Eso es lo que pasa con los personajes justamente, socavaba la integridad de la cordura, la cordura de los personajes, las situaciones, al equipo le pasaba algo equivalente.

¿Porque el recurso de acercar tanto la cámara a los personajes?, ¿ya estaba pensado desde el principio o era motivado por esa falta de espacio?

Lo que quería era asemejar el punto de vista del espectador al de los personajes, que el espectador se sintiera tan impotente como ellos y que estuvieran tan encerrados como los personajes, que la imposibilidad de ver el exterior no fuera una cosa sola de los personajes si no también del espectador. Así que había que agobiar y darle duro al espectador, por eso la cámara esta constantemente respirando encima de la nuca de los personajes, y no poder ver más de lo que ellos ven. Por eso la poco profundidad de campo de la película. La película es muy cerrada por los espacios, estábamos en el pico de una montaña y había mucha niebla, pero la neblina crea esto, crea que el encierro de los personajes no sea físico si no más psicológico, y el tipo de planos que use en la profundidad de campo llevan a esto mismo al espectador.

Hace unos años se decía que era muy difícil hacer películas en Colombia, que era un círculo muy cerrado y solo se hacían una o dos películas al año, pero desde que se hizo la ley del cine en Colombia parece que hacer cine se ha abierto a mucha más gente, gente más joven. ¿Tuviste alguna dificultad para hacer tu película?

No se como será de difícil hacer películas en otros países porque no he hecho películas en otros sitios, pero yo aquí conté con la suerte de trabajar en una productora, Rhayuela Films, soy director de comerciales para esa productora, y con ellos desarrollé toda la película. Me costó tres años escribir el guión, y mientras escribía el guión buscamos la financiación, pero bueno, tenemos socios españoles, Alta Films, tenemos socios argentinos, Sudeasta Cine, así que si hubiéramos conseguido el dinero antes yo no habría estado listo para rodar porque no habría tenido un guión terminado.

¿Así que buscasteis financiación antes de terminar el guión?

Si, muchísimo antes. Es que nosotros nos ganamos el premio del Ministerio de Cultura del Fondo para el desarrollo cinematográfico con la tercera versión del guión en el 2007 y el guión tiene 11 versiones así que fue un proceso paralelo, buscar la financiación y escribirla.

Al ver la película, a parte de otras muchas referencias bélicas, El páramo me ha recordado mucho a una película coreana llamada R-Point, ¿la conoces?

Conozco R-Point, la conocí durante el montaje de la película, la pasaron en televisión mientras estaba editando la película, y no la quise ver más porque vi que había grandes parecidos con la mía y esta otra que se llama The Guard Post, que también es coreana y que también va un poco sobre lo mismo, pero no las quise ver hasta no completar la película, hasta que no estuviera finalizada, porque no quería que me influenciaran para hacer cosas ni que me alejaran de cosas que yo quería hacer porque ellos ya las hubieran hecho. Creo que hay varias películas que son semejantes, en todos los géneros en la historia. También El señor de las moscas va un poco de lo mismo, no son soldados pero es una tribu. Casi que es un género cinematográfico este del terror interno.

¿Tienes ya algún proyecto futuro, algo que ya estés preparando?

En este momento estor haciendo una serie de televisión, La mujer del presidente, así que no tengo mucho tiempo. Pero estoy empezando a escribir una historia, una historia de amor, pero de un amor muy desgarrador.

Un cambio total de registro

(Risas) Si, no tiene mucho que ver con esto, aunque bueno, creo que también será algo fuerte y tensionante para el espectador.

¿Cómo ves el cine colombiano actual? con ese cambio que decíamos, con producciones que están saliendo mucho mas internacionalmente y triunfando en festivales como Todos tus muertos o El vuelco del cangrejo. ¿Se está haciendo un nuevo tipo de cine en Latinoamérica en general y en Colombia en particular para internacionalizarse más?

Creo que si, creo que es un cine que todavía esta en una etapa muyyy… quiero decir, están surgiendo autores, hubo autores hace varias décadas pero dejo de haber durante mucho tiempo, salvo dos o tres directores, y apenas es ahora es que hay gente que esta logrando algo, que esta logrando hacer sus películas, que no tardan diez años para hacerlas y que no solamente hacen una si no que pueden hacer una segunda o eventualmente una tercera. Pero bueno, aún no se puede hablar de industria en Colombia, creo que siguen siendo esfuerzos individuales de productoras o de directores y guionistas para llevar a cabo sus proyectos, pero en la medida que haya mas gente se vuelve interesante la búsqueda, porque finalmente es una búsqueda artística, es una búsqueda de expresión narrativa por un lado, pero por otro lado de funcionamiento político. Es lo que esta pasando, hay más directores con mas historias, con mas preguntas, sobre la estética y sobre Colombia.

Porque antes lo que se hacía sobre todo era mucha crítica social, Víctor Gaviria, Sergio Cabrera, hacían películas sobre problemas como la drogadicción, la pobreza o la corrupción política. Ahora se hacen muchas más películas de género, de acción, de terror, aunque también no olvidan ese tema, aunque al menos lo tratan de manera distinta. Se empiezan a ver películas como Juana tenia el pelo de oro de Pacho Bottía que es una fábula o Karen llora en un bus, un drama completamente normal. Se hacen cosas distintas, sin tener como fondo los problemas más reconocibles de la sociedad colombiana. Se empieza como abrir a todo tipo de cine…

Claro, en la medida que hay mas directores hay mas inquietudes, hay mas historias que se quieran contar, el problema es que se paso mucho tiempo sin que hubiera realmente una producción cinematográfica en Colombia, tu lo dices, se producían solo dos o tres películas al año y esas dos películas es normal que cuestionaran la sociedad colombiana. Sigue habiendo ese cuestionamiento y es normal, es un deber del cine, pero como dices, desde un espectro mas amplio.

Y la última pregunta. A la hora de hacer el casting, de contratar a los actores, ¿buscaste expresamente gente no tan conocida para el público colombiano?

Quería que no fueran conocidos, porque no quería una identificación del espectador hacía el actor, quería una identificación del actor hacía el personaje. Quería que con las primeras imágenes de la película la gente viera soldados, no viera a un actor interpretando a un soldado. Quería que vieran a un soldado de verdad, tal como se ven en Colombia, como la gente los ve o lo poco que los pueden ver porque la gente no los ve cuando están luchando en las montañas, los ven por el noticiero o en los retenes que hacen en la carretera, así que no quería actores reconocidos, ni actores de telenovela. El casting fue muy duro, uno de los actores, el que hace de Fiquitiva, empezó en el 2007, entró a formar parte de la película cuando estaba escribiendo las primeras versiones del guión, así que nos tardamos tres años en encontrar a estos actores, que fueran grandes actores y que no fueran reconocidos en televisión.

Pues nada mas, muchas gracias y encantado.

No, muchas gracias a vosotros.
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sábado, 22 de octubre de 2011

Película colombiana La playa recibe dos premios internacionales


El largometraje colombiano La playa de Juan Andrés Arango, producido por Séptima Films y Burning Blue de Colombia, en coproducción con Cinesud Promotion (Francia) y Bananeira Filmes (Brasil), recibió esta semana dos premios internacionales para su etapa de postproducción. El primero de ellos, un apoyo de 40.000 euros de Fonds Sud Cinéma y el premio Work in Progress de los Encuentros Australes de Industria 2011, la plataforma de coproducción de AUSTRALAB, iniciativa co-organizada entre Ateliers du Cinéma Européen (ACE) y FICVALDIVIA (Festival Internacional de Cine de Valdivia).

La playa, con estos dos premios, en su etapa de postproducción completa una importante recorrido internacional que lo han llevado a la versión 20 del programa Cine en Construcción del Festival Internacional de Cine de San Sebastián y los Rencontres Cinémas d'Amérique Latine de Toulouse; y el Colombian Carte Blanche en el Festival de Cine de Locarno, organizado en conjunto por el Open Doors del y PROIMAGENES Colombia, con el apoyo del Consejo Nacional de las Artes y la Cultura en Cinematografía -CNACC-, el Ministerio de Cultura y el Ministerio de Asuntos Exteriores.

El premio del Fonds Sud Cinéma, es un fondo financiado por el Ministerio de Cultura y Comunicación (CNC - Centro Nacional de Cinematografía) y el Ministerio de Asuntos Exteriores (agrupación de los ministerios de Cooperación y Asuntos Exteriores en enero de 1999) de Francia, y está dedicado a proyectos de películas de ficción, de animación o de documentales de creación destinados a ser exhibidos en salas en Francia y en el extranjero. Por su parte, el premio Work in Progress de los Encuentros Australes de Industria, fue entregado al mejor de los proyectos en postproducción, en búsqueda de financiamiento para la finalización de esta etapa y en búsqueda de circulación (ventas internacionales y distribución), que hicieron parte de esta sección en 2011: La búsqueda de José Luís Valle (México), La chupilca del diablo de Ignacio Rodríguez (Chile), De jueves a domingo de Dominga Sotomayor (Chile) y La playa de Juan Andrés Arango.

Así mismo, La playa durante su etapa de desarrollo también participó en el Buenos Aires Lab del Bafici 2010, las Mannheim Meetings del Festival Internacional de Mannheim, el Encuentro de Coproducción del Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias -FICCI- de 2009 y el Rio Market del Festival Internacional de Cine de Río de Janeiro. Además es ganadora de un estímulo de Producción de Largometrajes del Fondo para el Desarrollo Cinematográfico -FDC- de Colombia, en 2008.

La playa cuenta la historia de Tomás, un adolescente afrocolombiano, desplazado a Bogotá desde la Costa Pacífica de Colombia a causa de la guerra, yerra por la gran ciudad, en busca de Jairo, su hermano menor, quien ha huido de casa y es adicto al crack. Este viaje iniciático por la capital colombiana, lejana del mar y racista, lleva a Tomás a conocer su identidad y a encontrar un camino en medio de la dureza del asfalto bogotano.

(Fuente)
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Crónica del Festival de Cine Fantástico de Sitges 2011 - Ruedas de prensa

Ya hace casi una semana que finalizó el Festival de Sitges de este año, pero en Cine Latino aún tenemos pendiente con vosotros un par de cosas. La entrevista con el director Jaime Osorio Márquez, la cual pondremos en los próximos días, y las ruedas de prensa de la película colombiana El páramo y la cubana Juan de los muertos.



Tas los pases de la mañana de ambas películas (aquí podéis leer la crónica del día) pudimos asistir a la rueda de prensa y escuchar con atención lo que los protagonistas de ambas cintas tenían que contar. Por parte de Juan de los muertos estuvieron el director, el productor español y parte de los actores, y a la de El páramo asistió su director en solitario, Jaime Osorio.

Aquí os dejamos el audio de las dos ruedas de prensa y unas fotos acompañando. Por parte de Juan de los muertos vemos en la primera foto, de izquierda a derecha a Gervasio Iglesias (productor español), Alexis Díaz de Villegas (protagonista), Alejandro Brugués (director), Andrea Duro (actriz), Antonio Dechent (actor) y Jazz Vilá (actor). Por parte de El páramo la foto es de su director, Jaime Osorio Márquez. Por cierto, comentar que a esta última rueda de prensa le faltan los primeros 2 minutos, empieza a la mitad de las respuesta a la primera pregunta.

JUAN DE LOS MUERTOS






EL PÁRAMO


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jueves, 20 de octubre de 2011

Verónica Orozco terminó el rodaje de la cinta colombiana "Sanandresito"


La comedia de intriga colombiana "Sanandresito", de Alessandro Angulo, finalizó su rodaje en Bogotá. Se trata de una producción de Laberinto Cine y Televisión, protagonizada por Verónica Orozco, la actriz y cantante "cachaca" que protagonizó la exitosa cinta "Soñar no cuesta nada" y la serie televisiva "A corazon abierto", junto a Andrés Parra ("La pasión de Gabriel"), informa Pantalla Colombia.

En Sanandresito, un renombrado sector de comercio en Bogotá, se encuentra cualquier cosa: desde las gafas para el sol, el último zapato de moda o el perfume más costoso, hasta celulares, ropa, dulces, películas y alcohol. Todo lo que busque, está disponible. De esto podrá dar fe Wilson Tenorio, un espontáneo agente de policía que se mueve como pez en el agua en este lugar. Tenorio anhela un ascenso en su institución, en tener una mejor vida, pero no está dispuesto a mover un dedo para lograrlo. Las cosas están por cambiar cuando se ve falsamente enredado en el asesinato de Tatiana, una muchacha de Sanandresito cuyo cadáver aparece en la camioneta oficial que conduce Tenorio.

El vanidoso e inútil agente deberá por primera vez en su vida poner en práctica lo supuestamente aprendido en su instrucción policial. Sin más ayuda que su propia malicia indígena deberá descubrir al verdadero asesino de Tatiana, antes de que lo capture la policía, a cargo de su propia novia, la Sargento Fanny; y antes que Félix, el peligroso escolta novio de Tatiana enceguecido por el dolor, lo encuentre y erróneamente cobre venganza sobre él. ¿Qué pasará primero?

"Nos acercamos a Sanandresito de la 38, a través de FESACOL -Asociación de vendedores-. Les contamos la historia y se mostraron muy abiertos a trabajar con nosotros. Sin embargo, es una locación muy compleja. Decidimos tener un dispositivo de rodaje poco invasivo, no cerramos ni calles, ni bodegas; nos mezclamos con los vendedores, con los clientes, entre los diferentes tipos de música y comida que se pueden encontrar en el lugar, lo cual resultaba un entorno agobiante. Fue muy pesado, pero muy divertido.... No hubiéramos podido recrear ese espacio nunca, lo más importante era cuidar la calidad artística de la película y que se sintiera ese ambiente auténtico y vivo de Sanandresito", comentó para Pantalla Colombia Diana Camargo Buriticá, productora ejecutiva de la película.

El talento actoral lo complementa Jimmy Vásquez (El jefe), Felipe Botero, Fabio Rubiano (La esquina), Víctor Hugo Morant (García), Carolina Acevedo, Katherine Vélez (La deuda), Rodrigo Candamil (Los caballeros las prefieren brutas-TV), Gustavo Ángel (Los caballeros las prefieren brutas-TV) y Daniel Rocha (La gente de la universal).

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martes, 18 de octubre de 2011

Edgar Ramírez saca partido a "Carlos" con película junto a Juliette Binoche


Tras el éxito internacional de su interpretación de Ilich Ramírez Sánchez en la miniserie de producción francesa "Carlos", el actor venezolano Edgar Ramírez coprotagonizará al lado de la estrella gala Juliette Binoche "Un singe sur l’épaule", segunda película de la también francesa Marion Lainé, cuyo rodaje se iniciará el 24 de este mes de octubre, en el país europeo y en Argentina, informa Cineuropa.

Edgar Ramírez (candidato al Globo de Oro y al Emmy en EEUU y ganador del César francés al mejor actor revelación por "Carlos") continua con esta cinta su ascende carrera internacional, que incluye la recientemente estrenada producción colombiana "Saluda al diablo de mi parte", de los paisas hermanos Felipe y Carlos Esteban Orozco, y la ya filmada pero pendiente de estreno "Furia de titanes 2".

La directora Marion Lainé se dio a conocer en 2008 con su primer largometraje "Un cœur simple", inspirado en una obra de Gustave Flaubert; ahora continúa en el campo de la adaptación literaria y lleva a la pantalla esta vez la novela "Remontando el Orinoco", de Matthias Enard (que el año pasado obtuvo muy buenos resultados en las librerías con su última obra, "Habladles de batallas, de reyes y elefantes").

El guión de "Un singe sur l’épaule", es también obra de Marion Lainé y Anne Le Ny (nominada en 2008 al Cesar al mejor guión original por "Ceux qui restent"), y gira en torno a los quirófanos en los que se debate la vida y la muerte. Dos cirujanos famosos, Javier y Mila, se aman con locura: con la exigencia y la inconstancia de dos seres que no quieren perderse. Pero Javier ha desarrollado una peligrosa debilidad que Mila ya no logrará esconder.

La cinta es una producción de Catherine Bozorgan para Manchester Films y Christine Gozlan para Thelma Films, en coproducción con France 3 Cinéma y MK2; cuenta asimismo con precompras de Canal+ y Ciné+ y con ayudas de la región Paca y del apoyo de la Sofica La Banque Postale Image. El rodaje se desarrollará del 24 de octubre al 15 de diciembre en el sur de Francia y en Argentina. La distribución en Francia y las ventas internacionales están en manos de MK2.

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El cine latino que se podrá ver en la Seminci 2011

Acabamos de finalizar nuestra cobertura al Festival de Cine Fantástico de Sitges, pero los festivales no se acaban, entre los meses de septiembre a diciembre la cantidad de ellos en nuestro país es enorme, así que aquí os dejamos la representación latina del primero de ellos.



El primero en llegar será la Seminci de Valladolid, del 22 al 29 de este mes, con 6 películas latinoamericanas, de las cuales 5 son argentinas.

Sección Oficial:

MEDIANERAS de Gustavo Taretto (Argentina-España)
VERDADES VERDADERAS. LA VIDA DE ESTELA de Nicolás Gil Lavedra (Argentina-España)

Punto de encuentro:

EL DEDO de Sergio Teubal (Argentina)
LA LECCIÓN DE PINTURA de Pablo Perelman (Chile-España-México)

Sesiones especiales. Día de Argentina:

BELGRANO de Sebastián Pivotto (Argentina)
REVOLUCIÓN, EL CRUCE DE LOS ANDES de Leandro Ipiña (Argentina-España)
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lunes, 17 de octubre de 2011

Latinoamérica presenta al Oscar 11 películas, una menos que el año pasado

La Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood ha publicado su lista oficial de contendientes propuestas por los diferentes países del mundo al Oscar a mejor film en lengua extranjera (cualquiera menos el inglés). Serán en este 84 edición 63 precandidatas, de las que 11 son latinoamericanas, una menos que el año pasado, aunque comparativamente hay dos países "nuevos" (Cuba y R.Dominicana) y tres que no están (Costa Rica, Puerto Rico y Nicaragua).



Esta es la lista traducida de la web oficial de la AMPAS:

- ARGENTINA: "Aballay, el hombre sin miedo"
- BRASIL: "Tropa de élite 2"
- CHILE: "Violeta se fue a los cielos"
- COLOMBIA: "Los colores de la montaña"
- CUBA": "Habanastation"
- MÉXICO: "Miss Bala"
- PERÚ: "Octubre"
- PORTUGAL: "José y Pilar"
- R.DOMINICANA: "La hija natural"
- URUGUAY: "La casa muda"
- VENEZUELA: "El rumor de las piedras"

En el caso del cine boricua, la Academia decidió marginarlo indefinidamente, al considerar que la isla, como "estado libre asociado" forma parte de los Estados Unidos y por tanto pueden acceder sus productores, aunque filmen en español, a cualquier otra categoría de sus premios, pero no a la "extranjera".

Este año, Costa Rica y Nicaragua, sin apenas producción, no presentaron candidatas, y en cambio sí lo hicieron Cuba, ausente el año anterior, y República Dominicana, que llevaba década y media sin proponer película.

¿Cuáles tienen opción real de estatuilla? La cosa no está nada fácil este año, con contendientes de la talla de Wim Wenders, Zhang Yimou, Aki Kaurismäki, Otar Iosseliani, Béla Tarr, Agnieszka Holland, Nikita Mikhalkov, Pernilla August o Nuri Bilge Ceylan. Será muy difícil tener alguna posibilidad siquiera de entrar en el quinteto de nominadas que se hará público el 24 de enero en el teatro de la Academia, el Samuel Goldwyn. Por sus temáticas y capacidad de sintonizar con los votantes, creemos que las mayores posibilidades estarían en la mexicana "Miss Bala", de Gerardo Naranjo y en la colombiana "Los colores de la montaña", de Carlos César Arbeláez.

El año pasado de las 12 propuestas sólo una entró entre las nominadas, la mexicano-española "Biutiful", de Alejandro González Iñárritu, que no ganó.

(Fuente)
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domingo, 16 de octubre de 2011

Crónica del Festival de Cine Fantástico de Sitges 2011 - Día 10



Pues se acabó la 44 edición del Festival de Cine Fantástico de Sitges, una edición con un gran cartel y que nos ha dejado algunas joyitas, y un palmarés polémico, como suele suceder en casi cada edición. En cuanto a los premios el cine latinoamericano está de enhorabuena porque tanto Jaime Osorio por El páramo como Juliana Rojas y Marco Dutra por Trabalhar cansa han conseguido el Premio Citizen Kane al director revelación. Y a continuación la última crónica:



THE THING: ¿Qué tendrán las películas de Carpenter que siempre se prestan a excelsos remakes o a jugosas secuelas? Jean-François Richet ya demostró que era posible actualizar Asalto a la comisaría del distrito 13 sin perder un gramo de tensión. Ahora, los creadores de Amanecer de los muertos vuelven a la carga con una precuela de La cosa que nos devolverá a los confines del mundo para congelarnos de pavor. La paleontóloga Kate Lloyd llega a la Antártida para sumarse a una expedición que está a punto de hacer el descubrimiento del siglo. Algo lleva cien mil años enterrado en el hielo. Algo que parece muerto, pero que está dispuesto a despertar del letargo.

La película clausura del Festival de Sitges 2011 fue la precuela de La cosa, una de las grandes obras de John Carpenter, que a casi 30 años de su estreno conserva todos sus rasgos identificativos y su excepcional puesta en escena. En este caso Universal ha decidido ir un paso más allá y en lugar de realizar un remake propiamente dicho se decanta por un híbrido de precuela y remake, situando la acción unos días antes que en la de Carpenter. Este nuevo punto de vista, que si la película tiene éxito hará que veamos la formula hasta en la sopa, nos depara una entretenida e interesante película, que no pasa de ser eso, siendo su mejor y su peor baza. A años luz de la de Carpenter, La cosa (The Thing) versión 2011 nos da sus mejores momentos en las escenas que enlazan con la precedente o en aislados momentos de tensión. El resto es simplemente una adaptación más pensada para los nuevos públicos ávidos de ver al monstruo en acción en vez de mostrarlo solo a cuentagotas o en los momentos precisos.



DRIVE: En 2009, en los pasillos del hotel Meliá, se podía oír un nombre, el de Nicolas Winding Refn, que con dos películas en liza presentaba su candidatura a director de culto, a dinamizador del cine de género contemporáneo. Llegó el 2011 y Winding Refn demostró que tanta promesa no era en vano. Con un Ryan Gosling erigido en héroe parco en palabras y en gestos, Drive mira por el retrovisor hacia el cine de finales de los setenta, de coches, persecuciones, acción y emoción. Con una marcada estética retro, Drive homenajea al pasado, al Driver de Walter Hill; mientras, Winding Refn apuntala el cine del futuro.

Para el que esto suscribe hoy hemos visto la película del festival, una autentica muestra de cine en estado puro protagonizada por el gran Ryan Gosling, un actor que sigue demostrando la calidad que lleva dentro dando vida a este conductor, con el que no puedes sino llegar a empatizar a pesar de todo lo que acaba sucediendo. Desde sus escenas iniciales, el prólogo en el que el conductor recoge a los dos delincuentes y esos créditos fantásticos, la película te atrapa y no te deja salir. Para mi personalmente además esa estética ochentera, tanto en estilo como en banda sonora e incluso créditos me parece tan extraordinaria que no podría concebir la película sin ella. Mención especial merecen varios momentos demoledores y fantásticos como la escena en el ascensor, sublime, el tiroteo en el motel o la escena de la playa que elevan la labor de Nicolas Winding Refn a lo más alto.



KILLER JOE: Una de las películas que más entusiasmo generó en la Mostra de Venecia. Killer Joe: el regreso, sonoro como una ráfaga de ametralladora, de William Friedkin, uno de los imprescindibles del cine norteamericano de los años setenta y ochenta. El director de El exorcista, una de las mejores películas de terror de la historia, sigue en plena forma, como ya demostró en Bug (Sitges’07), y nos trae una violentísima tragicomedia negra, un desbocado film noir que no deja muy bien parado al género humano.

La sesión sorpresa había sido objeto de muchas especulaciones y al final la elegida fue Killer Joe, de William Friedkin. En esta ocasión nos lleva a Texas donde nos encontraremos una historia con tintes surrealistas con un policía asesino contratado por un hijo y su padre para matar a su ex-mujer y cobrar el seguro. Pero como suele pasar en estos asuntos las cosas no surgirán como se tenía planeado en un principio y la situación se irá complicando a marchas forzadas. Con un Matthew McConaughey correcto, pero saturado de botox, ya que su papel de por si es un tipo duro de pocos matices, Killer Joe se empapa de cierto sabor noventero en el tratamiento y la estética de las historia ambientadas en esa Norteamérica sureña que los propios estadounidense se empeñan en mostrar como llena de paletos y psicópatas, circunstancia que a la oficina de turismo de Texas no debe hacer mucha gracia.Repleta de humor negro, la película nos acaba llevando a un final violento, vibrante y desconcertante que bien vale la entrada.



THE ARTIST: Hollywood, 1927. George Valentin es un actor de éxito, un seductor, una estrella que difícilmente podrá ser eclipsada. Al menos, mientras no tenga que hablar. Las cosas se complican para George cuando el sonoro irrumpe en escena y la industria cierre la puerta en las narices de los caballeros que, silentes, acudían al rescate de la dama en el último segundo. Nuestro héroe deberá enfrentarse al sonido en esta deliciosa y desternillante comedia en blanco y negro, que emula los tiempos del cine mudo y que cuenta con una estrella inesperada: el acrobático perrito que acompaña al protagonista.

Espectacular, maravillosa, especial, bella, no hay palabras suficientes para describir esa hermosa propuesta que nos llega desde el país vecino. Dirigida por el francés Michel Hazanavicius, que tras una carrera de lo mas discutible con las dos partes de la comedia OSS (con el mismo protagonista de The Artist, Jean Dujardin), sorprende al mundo entero con este grandioso homenaje al cine mudo de Hollywood de principios del siglo pasado. Un referente como Rodolfo Valentino, de ahí el nombre del protagonista, George Valentin, da forma a dicho homenaje, con secuencias divertidas, algunas emotivas y con una radiografía precisa de una de las épocas doradas de Hollywood. Me gustaría destacar a sus dos protagonistas, un perfecto Jean Dujardin y una bellísima Bérénice Bejo. Ha sido la ovación más importante que hemos oido este año en el festival, y todos estos aplausos son mas que merecidos. Deliciosa.

THE DAY HE ARRIVES: Como suele pasar en las películas de Hong Sang-soo, todo comienza con un viaje y un encuentro. Seongjun llega a Buckhon, Seúl, para ver a un amigo que no aparece a la cita. Deambulando por el barrio, Seongjun topa con una amiga de juventud, con unos estudiantes de cine y, finalmente, con su amigo. Día a día, repite situaciones parecidas: encuentros alrededor de una mesa, con muchas botellas de alcohol y con la sombra de un amor pasado acechando al protagonista. Convertido en el cineasta contemporáneo que mejor disecciona las relaciones, Hong Sang-soo regresa con una comedia de elegante blanco y negro y humor sutil e inteligente.



En el pasado Festival de Cine de Autor de Barcelona habíamos visto Oki´s Movie, de Hong Sang-soo y personalmente me pareció una buena película, a excepción de esa manía de filmar con zoom arriba y zoom abajo que da la sensación de que no sabe encuadrar o que no se decide. Pero con The Day He Arrives me tengo que rendir, una película obsesiva, aburrida, repetitiva, que a pesar de su corta duración, 79 minutos se hace eterna, y es que tal y como está rodada y narrada no debería haber dado para más de 30 minutos, siendo generosos. Para hacer una película hace falta más que rodar lo mismo una y otra vez y cambiar un par de diálogos, hay que darle vida y sustancia, que si no sale lo que sale. Eso sí, la gente que pasara fuera del cine pensaría que estaban poniendo Aterriza como puedas por la cantidad de carcajadas que sonaban. O quizás es que somos nosotros los raros, ¿quién sabe?.



LIVIDE: En su primer día como cuidadora, Lucie visita a la Sra. Jessel, una anciana profesora de danza que, en estado de coma cerebral, se halla postrada en la cama y sola en su inmenso caserón. Al descubrir que esta quizás escondiese un tesoro en algún rincón de la casa, Lucie y sus amigos Ben y Wilson deciden explorarla con la esperanza de hallar el botín. Pero no tardarán en comprobar que los recovecos de la mansión están plagados de sorpresas no demasiado agradables. El esperado retorno de los firmantes de À l'intérieur es un filme entre la fantasía y el horror de ribetes vampíricos, cuyo aparente clasicismo es violentado por su ya inconfundible estilo.

La segunda película de la dupla Alexandre Bustillo y Julien Maury, tras la notable A l’intérieur, era una de las cintas mas esperadas del festival, sobre todo por los fans de su ópera prima. La película no decepciona, pero no llega al nivel de su predecesora. Con una primera parte más de suspense, en el que se nos presentan los personajes principales y la casa donde paran todos los futuros acontecimientos es muy acertada, con momentos visualmente fascinantes y un diseño de personajes “malos” de los más aterradores. Eso si, quizás a este primer trozo le falta un poquito de garra. Ya en su segunda parte es donde los directores sacan toda su parte mas terrorífica, con escenas trepidantes y algunas de lo mas escalofriantes. Quizás no me convencen demasiado los flashbacks para conocer a los personajes que habitan la casa, ya que creo que cuanto menos se sabe de ellos, más terroríficos son. En definitiva, una película muy valida, pero que deja un sabor de que podría haber sido mucho mas.

Bueno, y con esto terminamos las crónicas del Festival de Sitges, que por segundo año consecutivo hemos cubierto enteramente entre los dos miembros del blog. Nos quedamos con un buen puñado de películas, algunas estupendas, otras no tanto, con el reencuentro con amigos del festival, y sobre todo, con las vivencias compartidas con los nuevos amigos, David, Sandra, Xavi y Josep, con los que esperamos seguir compartiendo nuevas experiencias cinéfilas tanto en el ciberespacio como en persona. Y el año que viene más Sitges, por supuesto.
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viernes, 14 de octubre de 2011

Crónica del Festival de Cine Fantástico de Sitges 2011 - Día 9

Penúltimo día de festival, pero hoy a sido especial ya que hemos podido ver las dos películas latinas que nos faltaban, la cubana Juan de los muertos y la colombiana El páramo. A parte hemos ido a sus respectivas ruedas de prensa y hemos podido entrevistar al director colombiano, así que un día sin demasiadas películas pero con mucho movimiento. Aquí va la crónica:



JUAN DE LOS MUERTOS: Mientras La Habana se llena de zombies sedientos de carne humana, los medios oficiales comunican que los disturbios son causados por disidentes pagados por los Estados Unidos. El pánico se apodera de todos hasta que Juan llega al rescate: descubre que puede matar a los muertos vivientes destruyendo su cerebro, y decide montar un pequeño negocio bajo el slogan ‘matamos a sus seres queridos’. Enfrentándose a los muertos vivientes, Juan logrará ganar algún dinerillo. El cine de zombies se traslada a un escenario aún por conquistar, La Habana, en una comedia de terror con crítica social, tan desternillante como sangrienta.

Tiene el honor de ser la primera película cubana de zombies, pero lo bueno de la propuesta es que no se queda con el terror puro, si no que le da prioridad al humor, un humor que engancha y que te da momentos muy buenos, algunos de ellos incluso con crítica social. Me gustaría destacar a Juan, su protagonista, interpretado fantásticamente por Alexis Díaz de Villegas y al carismático Jorge Molina, el mismo que como director hace unas películas bastante “underground” como Molina’s Mofo o Molina’s Ferozz. Llena de momentos para recordar, con frases fantásticas y unos personajes super carismáticos, Juan de los muertos es sin duda una de las comedias del festival.



EL PÁRAMO: ¿Cinta bélica o paradigma del terror? Lo que empieza como The Steel Helmet de Samuel Fuller termina por parecerse a [·Rec]. Un comando especial llega a una base militar abandonada. Cuando uno de los hombres resulte herido, los demás se verán obligados a permanecer en ese espacio siniestro, lleno de inscripciones para protegerse del diablo y asolado por una misteriosa presencia. Los soldados no tardarán en dudar de todo, incluso de sus compañeros y de ellos mismos. Con una cámara que se pega a los personajes y una exquisita fotografía grisácea y neblinosa, El páramo se erige en el filme de horror bélico definitivo.

Ópera prima del director caleño Jaime Osorio Márquez. El páramo es una película de terror, pero no de terror físico si no más bien psicológico. Nos encontramos antes unos soldados que luchan contra un enemigo, pero un enemigo que no se esperan, ellos mismos. Rodada con mucho talento, Osorio pega su cámara a los personajes para conseguir una sensación de falta de espacio, no solo físico sino espacial. La cinta es un continuo increscendo, desde que llegan a la base militar abandonada, hasta que finaliza la película. Vemos como poco a poco los personajes van llegando a su límite y todo sin buscar efectismos visuales, solo tensión pura y dura.



Después de los dos pases he podido asistir a las dos ruedas de prensa, la de Juan de los muertos donde estaban el director Alejandro Brugués, el productor de la parte española Gervasio Iglesias y los actores Alexis Díaz de Villegas, Andrea Duro, Jazz Vila y Antonio Dechent. Por parte de El páramo ha aparecido en rueda de prensa su director Jaime Osorio Márquez. Y al finalizar todo esto hemos podido hacer una entrevista personal a Jaime Osorio. En los próximos días os pondremos tanto las ruedas de prensa como la entrevista.

Y mañana se acaba el festival, buen se acaba el domingo con las maratones pero para nuestras crónicas finaliza mañana. Y que mejor manera de despedirse que con el remake de La cosa, Drive, The Artist, Livide, la sesión sopresa Killer Joe, The Day he Arrives y una maratón con Emergo, El callejón y Monster Brawl. La última crónica la pondremos el domingo.
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Estreno: Las acacias

Hoy viernes se estrena una nueva película latina en las salas nacionales, se trata de la cinta argentina Las acacias de Pablo Giorgelli y que esta protagonizada por Germán de Silva, Hebe Duarte y Nayra Calle Mamani. Las acacias pudo verse en el pasado festival de San Sebastián, donde se alzo con el premio de Horizontes Latinos.



Por encargo, un camionero debe llevar a una mujer desconocida desde Asunción (Paraguay) hasta Buenos Aires (Argentina). La mujer trae consigo una niña en brazos. Son 1.500 kilometros de viaje por delante.

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jueves, 13 de octubre de 2011

Crónica del Festival de Cine Fantástico de Sitges 2011 - Día 8

Día 8, solo quedan 2, esto se acaba y por suerte las últimas películas que estamos visionando están salvando el mediocre nivel de los últimos días. Hoy tocaban pesos pesados como Kevin Smith, Coppola y el dúo de Persépolis. Empezemos:



RED STATE: Las hormonas pueden ser muy traicioneras. Y si no que se lo digan a los adolescentes que, atraídos por un anuncio que promete sexo en grupo con una mujer madura, caen en la trampa de un grupo de fanáticos religiosos dispuestos a erradicar con métodos extremos la libido de la juventud norteamericana. Con Red State, Kevin Smith se adentra en el horror más virulento y real y suelta bilis contra los conservadurismos de todo tipo. Para ello cuenta con un reparto encabezado por la recientemente oscarizada Melissa Leo, el gran John Goodman y Michael Parks, uno de los actores predilectos de Quentin Tarantino (quien, por cierto, ya ha declarado su admiración por esta película).

Cambio de registro en el cine de Kevin Smith, tras muchos años haciendo comedias y con la formula ya caducada, el director de Clerks se reinventa. Aunque hay algunas escenas en toda la parte del principio y un poco al final de todo donde se sigue viendo su estilo dialéctico inconfundible, Red State es mas una película sobre el extremismo religioso y la corrupción policial. Aunque la película sufre de varios altibajos, la película queda finalmente como un interesante giro en la carrera de Smith. A destacar un final (más bien una escena con mensaje incluido) absolutamente magistral.



TWIXT: Un escritor, con una carrera en franco declive, llega a un pequeño pueblo como parte de una firma de libros y se ve en vuelto en el misterioso asesinato de una joven. Esa noche, en sueños, el fantasma de la joven, llamado V., contacta con escritor reclamando su ayuda. Él no está seguro de su conexión con el asesinato, pero se sumerge agradecido en la historia que se presenta delante tal que una oportunidad para un nuevo libro se tratase. Aunque cuanto el crimen y sus consecuencias más le envuelven, descubre que los cabos sueltos le llevan directamente a su propio pasado.

Si alguna película se había puesto a parir hasta el momento era Twixt, la vuelta al fantástico de Francis Ford Coppola. Será porque pensaba encontrarme algo infumable tras todos los comentarios negativos, pero personalmente me parece una película mas que interesante. Creo que el problema es que la gente se la ha tomado en serio, y es lo peor que se puede hacer ya que se nota que Coppola se ha divertido haciendo una gamberrada. Una gamberrada eso si, con un estilo visual maravilloso, jugando con el blanco y negro y el color, con unas gotas de Poe, otras de David Lynch y un poco de Guy Maddin. Eso si, el 3-D no aporta nada (no llega ni a los 10 minutos), yo creo que ha sido una gamberrada mas de Coppola, para reírse de este formato, que cada día que pasa veo más innecesario. Lo dicho, se dicen pestes de Twixt, pero para mi es muy recomendable.



POULET AUX PRUNES: Es 1958. Un violinista iraní, el más grande de todos los tiempos, reencuentra a un antiguo amor. De regreso a casa, discute con su mujer y, para colmo, descubre que su preciado instrumento está roto. Incapaz de encontrar uno de recambio, el músico se va hundiendo poco a poco. Postrado en la cama, emprende un viaje interior hacia los porqués de su arte y de su propia personalidad. Tras el éxito de la traslación del cómic al cine de Persépolis, la dibujante Marjane Satrapi vuelve a hacer tándem fílmico con Vincent Paronnaud. Una cinta trufada de imágenes líricas y desbocadas, con un toque felliniano y Mathieu Amalric en estado de gracia.

Estaba entre mis super prioridades del festival, sin duda entre las tres primeras, ya que la anterior película de la dupla formada por Satrapi y Paronnaud, Persépolis, me pareció una (casi) obra maestra. Y por suerte la película no me ha decepcionado, al contrario, me ha encantado, con una sin fin de escenas e imágenes fascinantes y una trama entre divertida y trágica que engancha en todo momento. Contada como si fuera un cuento, con una pequeña parte de animación y muy del estilo Jeunet, Poulet aux Prunes es una fabula maravillosa. Para mi hasta ahora la mejor película que he visto en Sitges 2011. Por cierto, grande Amalric.



Mañana nos espera una jornada de pocas películas (solo dos), pero de lo mas intensa, ya que tendremos las dos películas latinas que quedan por poner, la bizarrada zombie cubana Juan de los muertos y la cinta bélica con toques de thriller El páramo, del colombiano Jaime Osorio, al cual podremos entrevistar. Así que estar atentos a los próximas horas.
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miércoles, 12 de octubre de 2011

Crónica del Festival de Cine Fantástico de Sitges 2011 - Día 7



Avanzamos un día más y ya nos queda poco para el cierre del festival, pero aún tendremos intensidad en los últimos días, y esperemos, mejores películas en general que hoy, un día muy, muy flojo, con presencia asiática, con la coproducción chino-hongkonesa Shaolin y la indonesia The Raid. En medio la australiana Sleeping Beauty y la francesa (en su mayoría) Carré blanc.



SHAOLIN: Estamos a principios del siglo XX. Un general irrumpe en un pueblo, que tras su paso queda devastado. Los monjes de un templo cercano observan perplejos las acciones del cruento general. Mientras, una mujer planea hacerse rica con el matrimonio entre su hijo y la hija del general. Cuando todo parece listo para que triunfe la codicia, los monjes deciden plantar cara y luchar contra los invasores. El genio del cine de acción made in Hong Kong Benny Chan nos deleita con esta joya de artes marciales con Andy Lau, Jackie Chan en un cómico cameo y auténticos monjes Shaolin haciendo piruetas imposibles.

Decepcionante, así se puede calificar Shaolin, una película con mimbres: reparto, director, coreografías, pero que al final se queda en un flojo ejercicio de situaciones mil veces vistas y una acción de tres al cuarto que no aprovecha ni los bonitos parajes ni la historia del legendario templo más que un pastiche de proporciones épicas dado su elevado presupuesto. Si tuviera que salvar algunos momentos serían los de la pelea de Jackie Chan con varios de los soldados enemigos, más por el humor que destilan que por la calidad, eso sí. Y quejarme públicamente por el (ridículo) uso de la cámara lenta, que ya cansa y aburre hasta en los momentos adecuados, y aquí utilizado de manera innecesaria (y torpe).

En definitiva, una película muy floja, aunque lo de cameo de Jackie Chan en la sinopsis ni caso, su papel es secundario, pero de cameo no tiene nada.



SLEEPING BEAUTY: Lucy combina su vida de universitaria con encuentros sexuales que le ayudan a pagar los estudios. Un día, le ofrecen trabajar como camarera en lencería fina para hombres de clase alta. Apreciada por su jefa, Lucy no tardará en conseguir una prueba como Bella Durmiente. El encargo resulta aparentemente sencillo: cada noche, Lucy tomará una pastilla, se tumbará en la cama de una misteriosa habitación y dormirá; y, sobre todo, nunca deberá saber qué ha pasado en ese rato. Apadrinada por Jane Campion, Sleeping Beauty convierte el clásico infantil en un terrorífico cuento de sexo y decorados tan lujosos como fríos.

Y llegamos al momento culminante del día con la peor, hasta el momento, aunque no parece que vaya a cambiar, película del festival, Sleeping Beauty, una propuesta con la que se podría acabar como la protagonista durmiendo del sopor y el tedio que se apoderan de uno viendo este despropósito llegado de las antípodas. ¿Qué pretende Sleeping Beauty?, pues mostrar a la protagonista en ropa interior o desnuda íntegramente y torturar al espectador en unos interminables 100 minutos en los que no sabes que has hecho para merecer lo que estás viendo. Si la hubiera dirigido un hombre podríamos hablar de cierta clase de machismo y exhibicionismo gratuito, pero habiéndolo hecho una mujer ni siquiera tenemos esa ligera excusa, lo que comporta un interrogante sobre la motivación de la directora para mostrarnos este festival del tostón más extremo. Atención a una de las escenas finales que de tan ridícula que ha sido ha provocado varias carcajadas y una sonora pitada al acabar la tortura, perdón, película.



CARRÉ BLANC: En un mundo deshumanizado, el pequeño Philippe malvive junto a su madre. Tras un intento de suicidio, entra en rehabilitación. Veinte años más tarde, Philippe se ha vuelto un ejecutivo agresivo y calculador que somete a sus empleados a toda clase de pruebas; su esposa Marie observa con desazón cómo ambos se han convertido en extraños. El destino está a punto de cambiar cuando Marie decida luchar contra el sistema para salvar su amor. Bajo su aspecto de ciencia ficción fría y con tintes tarkovskianos, Carré Blanc esconde una profunda emoción y una buena dosis de humor negro.

Precedido por el corto surcoreano A Function, una pesadilla rayana en lo gore y pesada a pesar de sus ocho minutos de duración, tocaba la coproducción entre varios países europeos, Carré Blanc, otro épico aburrimiento que no lleva a ninguna parte. Que una película de menos de hora y media te provoque tanto aburrimiento puede ser digno de estudio, aunque lo del corto coreano más aún, claro. En fin, tampoco me voy a extender mucho porque realmente no hay mucho en lo que hacerlo, unos personajes planos y ganas de darles una paliza. Al menos provoca ganas de algo.

Entre esta película y la siguiente, hemos asistido junto con Xavi, compañero de Después de 1984, al principio de la Masterclass de Bryan Singer, que pintaba muy interesante, pero a la que no nos hemos podido quedar mucho, sobre todo por cierto retraso en la comparecencia del director estadounidense y a la necesidad de llegar al pase siguiente. Pero ha sido suficiente para escuchar la anécdota de ser el primer director, en su adolescencia, en contar con un joven Ethan Hawke como intérprete.



THE RAID: Todo el mundo en Jakarta sabe que en los barrios bajos de la ciudad hay un edificio que sirve de refugio para los criminales más peligrosos de Indonesia. Algo así como una fortaleza del mal cuya leyenda crece día a día y a la que incluso la policía teme acercarse. Pese a ello, un grupo de fuerzas especiales de élite intentará derribar sus defensas y penetrar en sus entrañas. Pero la operación no sale según lo previsto, y los policías se encontrarán atrapados en el edificio, sin escapatoria posible y rodeados de asesinos y gángsters. Un adrenalínico filme que vuelve a reunir al director Gareth Evans y a la estrella de la acción Iko Uwais tras la exitosa Merantau.

Segunda película del galés Gareth Evans en Indonesia tras Merantau, y con el mismo protagonista de aquella, Iko Uwais, The Raid es un autentico ejercicio de primer nivel de acción y artes marciales. Con una historia mínima pero suficiente para llevarnos a un terreno espectacular, la película se reinventa, marcialmente hablando, a cada escena, con momentos culminantes cada poco tiempo, que han llevado a la platea al aplauso y al éxtasis más absoluto, a un paso de acabar haciendo la ola del espectáculo tan vibrante visto en la pantalla. Disfrute y acción espectacular son las señas de identidad de una película que no engaña a nadie. Como anécdota en el climax del film, un espontaneo del público ha gritado una proclama reivindicativa, "esto es cine, y no Melancolía".

Mañana tendremos una nueva crónica desde Sitges, encarando ya la recta final de la edición de 2011. Hasta mañana a todos y todas.
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Crónica del Festival de Cine Fantástico de Sitges 2011 - Día 6

Sexta jornada y hoy tres películas mas, dos asiáticas, Hara-Kiri y The Yellow Sea y una norteamericana, The Woman. La valoración, un día mas, es simplemente interesante. Vamos con lo visto:



HARA-KIRI: DEATH OF A SAMURAI: El genial Takashi Miike regresa a Sitges con una película que entronca con 13 asesinos: un elegante filme de época, de acción contenida y explosiones de violencia controladas con maestría. Ichimei narra la historia de Hanshiro, un samurai que llega a la residencia de un clan con la intención de terminar con su vida llevando a cabo el ritual del harakiri. El líder del clan intenta disuadirlo contándole la trágica historia de Motome, un joven que, poco tiempo atrás, llegó a ese lugar con las mismas intenciones. Miike construye un filme en tres dimensiones que, a través de flashbacks, se adentra en el terreno del amor y de la venganza.

La nueva propuesta del inclasificable Takashi Miike, llega a Sitges tras pasar por la sección oficial del último festival de Cannes. Lo primero que me gustaría comentar es que el 3D de Hara-kiri es el más inútil e innecesario que he visto, ya que no solo no lo aprovecha ni un minuto de metraje, si no que encima provoca que las gafas molesten y oscurezcan más que nunca. Dejando este tema más técnico a un lado, la nueva película de Miike es sin duda las mas académica de su larga filmografía. Con casi dos horas a un ritmo extremadamente pausado y en el que se nos cuenta en clave flashbacks el porque los personajes principales acaban como nos muestra el principio del film. Toda esta parte es bastante cansina y poco original. Solo en los últimos 15 minutos se asoma el Miike que conocemos, aunque incluso en estos últimos minutos donde podemos ver los únicos momentos de acción de la cinta, la cosa esta bastante contenida. En fin, película con bastante poca personalidad, cosa rara viniendo del director japonés.


THE WOMAN: Christopher Cleek es un abogado y modélico padre de familia cuyas virtudes serán puestas a prueba tras su encuentro con una mujer salvaje que vive en los bosques cercanos a su casa de campo. Pese a la violenta actitud de esta, Christopher intentará “civilizarla”, arriesgando las vidas de su propia familia, que pronto descubrirá lo que se oculta tras esta mujer. Con esta brutal The Woman, Lucky Mckee y el polémico novelista Jack Ketchum quieren poner a prueba la resistencia del espectador ante el terror más extremo. Así lo expresa su director al declarar sus intenciones: “os vais a cagar de miedo”. Se puede decir más alto (y de forma más sutil) pero no más claro.

Hace 9 años llegó a Sitges la ópera prima de un director llamado Lucky McKee, la película en cuestión se llamaba May, y se puso al público en el bolsillo. Ahora, después de estos 9 años y un par de fallidas cintas en su haber, McKee vuelve para intentar levantar cabeza y volver a hermanarse con el público, y opinión personal a parte, parece que lo ha conseguido ya que The Woman ha sido una de las películas más aplaudidas y mejor valoradas por el público, o eso al menos se huele en el ambiente. Personalmente me parece una gamberrada interesantes, con una primera parte bastante flojita (demasiado común por el momento en el festival de este año), pero con unos últimos 20-25 minutos demenciales y muy divertidos, con alguna escena sorprendente y enfermiza por momentos, sobre todo cuando el personaje de Christopher pierde completamente el raciocinio.



THE YELLOW SEA: En la frontera entre las dos Coreas y Rusia, la mitad de la población vive de actividades ilegales. Un taxista lleva tiempo sin ver a su mujer, que se ha ido a Corea del Sur en busca de una vida mejor. La única solución pasa por aceptar un trato que le han propuesto: lo ayudarán a cruzar la frontera a cambio de que cometa un asesinato. Na Hong-jin, director de The Chaser, regresa con un thriller de acción sin tregua y discurso social, a la manera del mejor Michael Mann. Un filme oscuro y de secuencias espectaculares que actualiza el cine negro y que arrastra al espectador por los derroteros de la alta tensión.

Segunda película del director Na Hong-jin, triunfante con su ópera prima The Chaser, The Yellow Sea es una correcta pero artificiosa propuesta del subgenero del thriller coreano, tan en boga en los últimos tiempos gracias a obras de gran calado como Oldboy y coetáneas. Con una duración quizás extrema, 140 minutos, eso a pesar de que la versión coreana dura 19 minutos más, que convierte la película en excesiva, no deja de tener sus puntos de interés, gracias a una cuidada coreografía de acción. Una de las decepciones más grandes de la película se encuentra en el recuerdo de la anterior, algo mejor que esta y que hacía tener unas esperanzas grandes. Uno de los platos fuertes, además de las escenas de violencia es su ambientación, solo al principio, en una zona de China, de mayoría coreana, no explotada cinematográficamente. Lamentablemente la acción se traslada enseguida a Corea y se pierde ese elemento diferenciador que añadia un toque diferente. Al final la sensación que queda, a pesar de su gráfica violencia, es de cierta moralina y moraleja final que no añade más que confusión sobre lo que hemos visto. Algo por otra parte más común de lo que parece en el cine de hoy en día.



Y maña en teoría empezamos con Shaolin, seguimos con Sleeping Beauty y acabamos con The Raid. Quizás se pueda añadir algo mas, o hay algún cambio de última hora. Así se afronta el festival, predispuesto a los cambios continuos. Hasta mañana!!!
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