Cobertura del Americana. Festival de Cine Independiente Norteamericano de Barcelona 2015 (y 2ª parte)

Pues aquí voy con la segunda y última parte de la cobertura que le dediqué al Americana, Festival de cine Indie norteamericano de Barcelona. Esta segunda tanda esta compuesta de 5 películas, las últimas que vi en este gran festival que espero que durante muchos años nos siga haciendo disfrutar del mejor cine Indie llegado de los EEUU.

Larga vida al Americana!!!

BUZZARD (2014) de Joel Potrykus

Llegaba con la vitola de ser la película más bizarra y original del festival y bueno, en parte lo es. Buzzard empieza bien, con la presentación de los personajes en su entorno laboral. Situaciones absurdas, personajes freaks y humor negro llenan el primer tercio del film, apoyado sobre todo en la química entre los personajes de Marty (Joshua Burge) y Derek (Joel Potrykus) que proporcionan los mejores momentos de la trama. Pero una vez Marty decide dejar la casa de su amigo e irse por libre la película da un bajón tremendo, con muchas situaciones que acaban siendo meras excusas para un final tan poco acertado como previsible. Lástima que tras un principio prometedor se pierda en el auto forzado por ser diferente y bizarra, y cuando lo buscas tan descaradamente se te ve el plumero y pierdes frescura. Una pequeña decepción.

CHEATIN’ (2013) de Bill Plympton

Plympton era una de mis directores pendientes hasta que ha llegado el Americana para remediarlo. Mi primer acercamiento al realizador estadounidense ha resultado de lo más satisfactorio. Cheatin’ parte de una animación tan desigual como genial, con un imaginario de una extensidad asombrosa. Su trama nos lleva al limite del amor, de la confianza, de los celos, del engaño. Con toques fantásticos que la llevan un paso más, Cheatin’ es una delicia que lo único que la frena para llegar a lo magistral son algunos excesos y una idea demasiado estirada. Aún así mi primer Plympton se salda con gran nota.

LISTEN UP PHILIP (2014) de Alex Ross Perry

Reconozco que posiblemente no vi esta película en las mejores condiciones, después de 8 horas de trabajo y como tercera propuesta del día pues me costo entrar. Listen Up Philip mezcla momentos y diálogos ingeniosos con algunos mucho más pedantes y aburridos. El personaje de Jason Schwartzman es tan aborrecible como atrayente aunque en su global te da ganas de abofetearlo. Una película que basa todo su potencial en sus diálogos corre el peligro de aburrir si no hila muy fino y en este caso, ya sea por su larga duración o por su extrema densidad, la tercera película de Alex Ross Perry cuesta de digerir.

KUMIKO, THE TREASURE HUNTER (2014) de David Zellner

Si había una película que tras ver la programación me llamaba la atención era esta Kumiko. Evidentemente su conexión con la obra maestra de los hermanos Coen, Fargo, tenía mucho que ver, pero también por su sinopsis y la curiosidad de ver que podía salir de esa base argumental. Pues al final ni fu ni fa. Toda su primera parte situada en Tokio se me hizo muy pesada y la encuentro alargada sin ninguna razón aparente más que la de mostrarnos lo desubicada que se siente el personaje de Kumiko. He leído mucho que el personaje de Rinko Kikuchi se siente excluida de una sociedad a la que no siente pertenecer, yo creo más bien que es directamente una mujer con problemas mentales, no desubicada, simplemente está loca, y creo que la trama conforme avanza no hace más que confirmarlo. Zellner juega la carta de esa japonofilia que gran parte del mundo occidental tiene en la actualidad, y eso hace que con la ley del mínimo esfuerzo y gracias a ese punto ya se gana al público. A mi me da igual y curiosamente cuando más disfruto es cuando la trama salta a Minnesota y la protagonista empieza a introducirse en el universo Fargo. Quizás su problema es que va a trompicones, pero toda su parte final me gusta, sobre todo la parte del bosque nevado y el uso de la música como si fuera una película de terror. El final curioso pero no me convence del todo. Muy irregular pero al final me acaba resultando interesante. Claramente de menos a más.

THE HEART MACHINE (2014) de Zachary Wigon

Una de mis favoritas del festival. Ya cuando vi el trailer se convirtió en una de las películas más esperadas del festival, pero algunas malas criticas de personas cercanas a mi me hicieron bajar las expectativas. Finalmente esta historia de amor a través de la webcam, con todas esas dudas de su protagonista, que nos lleva al borde del thriller en su incesante búsqueda de la verdad y de averiguar si su ciber novia está realmente en Berlín como dice o en Nueva York como el sospecha. Consigo conectar desde el principio, entro en el juego que me propone, mantengo los ojos abiertos en cada nueva situación y suelto un aplauso interior con su final, muy bien conseguido y que hace justicia al desarrollo de la trama. Como he dicho, de lo mejor del festival.

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Claqueta Latina: El infierno (2010) de Luis Estrada

Por Marckwire21

'El Infierno' titulada en España 'El Narco` es una película de 2010 dirigida por el realizador mexicano Luis Estrada y estrenada poco tiempo antes de las celebraciones del Bicentenario de la Independencia de México. Considerada la tercera parte de una tetralogía, en ella el director latinoamericano volvió a poner patas arriba todas las vergüenzas de su propio país mostrando bajo el manto de la comedia mas negra y la critica mas ácida, el nivel de corrupción y narcisismo político que gobernaba el país de una manera real y sin censura alguna. Dicho poker de films lo forman las películas: 'La ley de Herodes' de 1999, 'Un mundo maravilloso' en 2006, 'El Infierno' 2010 y la estrenada el año pasado, 'La dictadura perfecta', todas como no, con el tándem director/actor que forman Luis Estrada y Damián Alcázar.

Estrada presento de manera brillante una mezcla de géneros que van desde el thriller mas inquietante, pasando por el cine negro, la comedia satírica o la acción mas puramente mafiosa o de clanes. En medio de todo eso encontramos a Benny Garcia (Damián Alcázar), el típico mexicano tanto física como mental e ideologicamente puro de corazón al inicio pero corruptible como todos una vez entra en la rueda del narcotráfico y el dinero fácil. Benny, como tantos otros se fue a Estados Unidos en busca de un trabajo digno imposible de conseguir en México. 20 años mas tarde lo vemos siendo expulsado y de regreso a su pueblo natal. Asombrado descubre que su bonito pueblo se ha convertido en un vertedero de violencia sin escrúpulos, corrupción, pobreza y asesinatos a plena luz del día. Tras la noticia de la muerte de su hermano menor convertido en un temible mafioso de la zona al que apodaban 'El Diablo', Benny pide ayuda a Cochiloco (Joaquín Cosio), el mafioso oficial por encima de su difunto hermano y a la vez su  mejor amigo de la infancia. Ante la urgencia de conseguir dinero para mantener tanto a su madre, como a su cuñada viuda y a su sobrino, Benny acepta el trabajo propuesto por el jefe de Cochiloco, el siguiente peldaño en la escalera hacia el poder llamado Don José Reyes (Ernesto Gómez Cruz), dejándose así infectar rápidamente por el poder y las ventajas que otorgan el dinero fácil, la violencia y pertenecer al crimen organizado. 

Pese a que el tono de comedia, sátira, o critica social es mas que evidente en muchos diálogos o escenas, la película funciona maravillosamente como thriller de acción al mas puro estilo Tarantino, 'Breaking Bad' o 'Gangs of Wasseypur', eso la hace única y facilmente catalogable en un grupo muy selecto de films donde la comedia es el perfecto vehículo para criticar cualquier sistema corrupto y cualquier red de crimen organizado. No es la ascensión de un joven vendedor de drogas ni tampoco una matanza entre familias mafiosas como en 'Blow' o 'Alpha Dog', es una gran thriller negro de acción bañado con una sutil comedia y elegante critica a la clase de políticos que han llevado a México a ser una teta seca que todos han chupado hasta dejarla sin nada mas que ofrecer que una gota cada cierto tiempo. La calidad de las actuaciones es perfecta, hay una total implicación por todos en sus diálogos, Alcázar esta impresionante, me rindo completamente a este actor al que de momento he visto en dos películas de Estrada y en Crónicas de Sebastián Cordero. Joaquín Cosio o los 'Reyes', tanto el como ella, geniales bordando momentos dramáticos-críticos como llenos de humor y que decir de 'la cuñada', que mujer! que curvas! y encima crea un buen registro de su personaje la actriz Elisabeth Cervantes. Como digo, del primero al ultimo, inclusive el chico al que pregunta Benny por 'el sobrino' o la adorable madre de Benny, todos están perfectos, brillantes. La cinta empieza muy muy cómica, con diálogos brillantes repletos de guiños e indirectas a diestro y siniestro pero a medida que avanzan los 150 minutos de duración, las relaciones entre los personajes se vuelven mas intensas, los momentos dramáticos contados cobran una importancia vital para el desarrollo de un trama que va ahogando en esa espiral de desenfreno de Benny al propio espectador hasta ese final digno de ser interpretado por Pacino si de una película americana habláramos. Luis Estrada tiene el poder de rodar unas historias que aun sabiendo lo que puede ocurrir o sobre que puede tratar no deja de sorprenderte a cada minuto que pasa, obligandote a prestar atención a cuanto se nos narra ya sea visual o narrativamente.

Producida por Bandido Films con guión del propio Estrada y su habitual en esta tetralogía, Jorge Sampietro, destacaría además de lo anteriormente citado, la redonda e impecable dirección de fotografía de Damian Garcia ('Gueros', 'Desierto'), mostrándonos un infierno en la tierra, un desértico y árido pueblo mexicano donde la pobreza y miserias rompen cualquier encuadre idílico para mostrar la verdadera realidad de una nación donde todo el mundo mete la mano en la bolsa. No me olvido de una banda sonora que a priori pasa desapercibida al estar repleta de canciones no originales del propio film y en parte también a ese ambiente fiestero de los narcos pero, es una banda sonora que cobra mucha importancia y valor al conocer quien esta detrás que no es otro que el canadiense Michael Brook, creador entre otras de las partituras en películas como 'Heat','The Fighter', 'Into the wild' o la recientemente protagonizada por Jennifer Connelly 'Aloft'. 'El Infierno' arraso en los premios Ariel de 2011 llevándose el de mejor director, mejor película, mejor actor principal y secundario para Alcázar y Cosio respectivamente, además, estuvo nominada en los Goya de 2010 donde perdió frente la chilena 'La vida de los peces'.

'El Infierno' es una película altamente recomendable para todos aquellos que gusten de un cine sin tapujos, que habla claro y que no se esconde de nada y ante nadie para mostrar lo que quiere mostrar, la realidad tal y como es. Una realidad que a veces y aunque pueda parecer cómica o absurda, existe, y existe gracias a esa corruptela gubernamental que abunda en México desde tiempos lejanos. Una feroz critica a un sistema político que ha sido capaz de crear o permitir la creación de una red de narcotráfico tan grande y extensa que ni modo de salir de ella aun queriéndolo con todas las ganas. Para muestra, un botón. Para muestra, el final de 'El Infierno'. Creanme, no se la pierdan por nada del mundo. Grandiosa película.

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Cobertura del Americana. Festival de Cine Independiente Norteamericano de Barcelona 2015 (1ª parte)

Ayer finalizó la segunda edición del Americana. Festival de Cine Independiente Norteamericano de Barcelona, y como el año pasado, Cine Latino estuvo presente. Aunque sabemos que quizás por temática no tendría lugar en este blog, un festival del nivel del que hablamos y liderado por gente salida de blogs amigos, que a pesar de contar con solo una primera edición como experiencia previa, han vuelto a demostrar que con ganas y enormes conocimientos se puede dirigir de forma excepcional un proyecto de esta envergadura. Por eso era nuestro deseo estar presentes y haceros llegar a vosotros nuestras impresiones de lo visto en estos 4 días mágicos de cine de calidad, y sobre todo, de la compañía de buenos amigos.

Pero vamos a lo que más interesa, las películas vistas, que dividiremos en dos partes:

BEFORE I DISAPPEAR (2014) de Shawn Christensen

Creo que en un festival siempre es importante acertar con la inauguración ya que no deja de ser el primer acercamiento del público al certamen y puede decantar a la gente a seguir o no seguir viendo las propuestas ofrecidas. Por eso creo que inaugurar con una película como Before I Disappear fue todo un acierto. La opera prima de Shawn Christensen, basada en su propio cortometraje Curfew, es un drama con varias dosis de comedia negra en la que seguimos a Richie, un personaje inadaptado (tan del gusto del cine Indie) que cuando está a punto de acabar con su vida recibe la llamada de su hermana para que le haga el favor de cuidar de su sobrina. Ese es el principio de la montaña rusa emocional que llevará a Richie a plantearse su futuro y a conocer su lado familiar desconocido hasta el momento. Apoyada en unas buenas interpretaciones, encabezadas por el hombre orquestra Shawn Christensen, que a parte de actor y director también es el guionista, y que elabora de manera contenida pero intensa un personaje que podría haber caído en el tópico más sobado. También destacar a la bella Emmy Rossum y a la gran sorpresa, la jovencísima (14 años) Fatima Ptacek a la que le auguramos un gran futuro. Before I Disappear no es que sea algo excepcional pero si es una buena mezcla de drama y comedia que funciona genial como entrante al festival.

NIGHT MOVES (2013) de Kelly Reichardt

Reconozco haber visto esta película con cierto miedo ya que la primera (y única hasta ahora) que había visto de la directora norteamericana había sido Meek’s Cutoff que me había parecido un artefacto de lo más vacío y aburrido. Pero Night Moves, sin apasionarme, me ha parecido la mar de interesante. Desde el principio navega en el drama ecológico con pequeñas dosis de thriller, que poco a poco van aumentando hasta convertirse en el tono principal de la cinta. A pesar de tener el ritmo lento tan habitual en la directora, Night Moves no se llega a hacer pesada y tiene algunos momentos de tensión bien logrados. Lástima que la peli no sabe acabar cuando la historia lo había pedido a gritos y Rechardt decide alargar más minutos que a parte de no aportar nada le quitan ese aura casi místico a la historia para llevarla a un tono demasiado terrenal que hacer que el personaje principal roce el ridículo, aumentado por una espantosa escena final. Lástima porque durante mucho metraje me estaba gustando bastante.

DEAR WHITE PEOPLE (2014) de Justin Simien

Posiblemente la película que menos me ha gustado del festival. Una historia sobre el racismo, la tolerancia, las diferencias de clase y sociales y el mundo de las hermandades universitarias. Lo que menos me gusta es el tono y como el director se dedica más a la forma que al fondo. Le reconozco algunos detalles, sobre todo en el aspecto visual, bastante interesantes, pero la sensación que me queda es la de que quiere ir de guay y no tiene el talento suficiente. Su gran problema son unos personajes que no me transmiten ningún tipo de emoción, que me da igual lo que hagan o que les depare su futuro. No me llega la historia, y eso que su base argumental es de lo más interesante, pero el como lo cuenta me parece muy deficiente. En definitiva, me carga y se me hace aburrida.

LIFE ITSELF (2014) de Steve James

Roger Ebert ha sido sin ninguna duda uno de los críticos más relevantes de los Estados Unidos, teniendo una gran influencia en el público cinéfilo y siendo respetado por el mundo cinematográfico. El documental nos va alternando sus comienzos y su ascenso a la fama, con su premio Pulitzer a la cabeza, con el final de su vida, ya enfermo terminal del cáncer de mandíbula que acabó con su vida hace ya casi dos años. El documental está lleno de anécdotas geniales de Ebert, sobre todo las relacionadas con su programa televisivo Siskel & Ebert, junto al también crítico Gene Siskel, con el que tenía una entrañable relación de amistad-odio. Quizás el no saber nunca si estamos viendo mas un documento sobre su carrera o sobre su enfermedad hace que se vaya difuminando un poco su fuerza, pero el gran carisma de Ebert, su especial y tormentosa relación con Siskel y su fuerza ante su final convierten a Life Itself en una obra notable. Como curiosidad comentar la relación que se cuenta entre Ebert y una niña llamada Ava DuVernay, que años más tarde se convertiría en directora de cine y que su segunda película, Selma, clausuraría la segunda edición del Americana. Bonita conexión.

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Claqueta Latina: Garrincha. Estrela Solitária (2003) de Milton Alencar

Por Marckwire21

Si hay un jugador brasileño clásico conocido en el mundo entero después de Pelé, ese es Manuel Francisco dos Santos alias Garrincha. Nacido en Magé en Rio de Janeiro, fue apodado así por sus hermanos, dado que Garrincha es el nombre de un pájaro feo y veloz que vive en las selvas del Mato Grosso en Brasil. Manuel Francisco dos Santos es uno de los miles de ejemplos de deportistas nacidos en un pequeño pueblo a los que la fama les supero por completo; con las piernas curvadas casi 80 grados hacia dentro y una pierna mas corta que la otra, su habilidad para el fútbol era innata, natural, nació para ser un gran jugador. Firmo su primer contrato profesional con Botafogo sin saber leer además de ser el club donde uso por primera vez botas de fútbol para jugar. Un delantero de leyenda con el que la selección canarinha solo perdió 1 partido de los 60 que jugó el y jamas, nunca perdió cuando jugó con Pelé en el once inicial.

En 1963, en la cumbre de la carrera del mítico jugador de fútbol brasileño, el director Joaquim Pedro de Andrade estreno el documental titulado 'Garrincha, Alegrida do Povo'. 40 años mas tarde, en 2003, y en homenaje a este a quien también va dedicada esta película, Milton Alencar dirigió esta versión ficcionada de la historia del crack brasileño basándose también la novela de 1995 publicada por el periodista y escritor Ruy Castro titulada 'Estrela Solitária - Um Brasileiro Chamado Garrincha' . 'Garrincha: Estrela solitaria' esta producida por FAM Filmes con la colaboración de un sinfín de empresas brasileñas y chilenas; tiene una duración de 106 minutos y centra lo que nos cuenta en 1980, con un Garrincha de vuelta a su casa por segunda vez tras ingresar en un reformatorio debido a su adicción al alcohol. Aguantando como buenamente puede gracias a los medicamentos, Garrincha es la estrella de la rua brasileña que celebra la escuela de Samba Mangueira que le ha preparado una carroza exclusiva en su honor. A media que el festival de avanza, Garrincha narra en primera persona los acontecimientos mas importantes de su vida, desde su fichaje por el Botafogo hasta su explosión en la selección junto a Pelé. Esta interpretada por actores de televisión brasileños principalmente como André Gonçalves que da vida a Garrincha, Tais Araújo como Elza Soares, Ana Couto como Iraci o Chico Diaz como Sobral entre otros. La fotografía es de Jorge Monclar y la banda sonora de Leo Gandelman, ambos con escasas producciones en su haber al igual que el director Milton Alencar, que solo rodó esta película.

No he tenido la suerte, o desgracia, de leer la novela de Ruy Castro por la que gano el Jabuti (premio literatura brasileña) en 1996, así que tampoco puedo afirmar que la adaptación de Alencar sea buena, o mejor dicho, aceptable. Con un aire a telenovela o a telefilm de sobremesa que infesta toda la duración, la figura de Garrincha y su misticismo como jugador están mal desarrolladas, no enganchan y las escasas anécdotas del susodicho que se narran llegan a agotar. No hay emoción, no hay épica, no hay nada realmente que valga la pena destacar mas que los detalles sobre el jugador. El grupo actoral es un desastre, el montaje usando zooms extraños y una edición de vídeo repleta de intentos de innovar totalmente fallidos es un horror. Hay errores de continuidad, la caracterización inicial de un Garrincha de casi 50 años es detestable, no se eleva la figura del gran jugador que fue, no se habla apenas de sus éxitos, hay casi la misma cantidad de escenas de cama que de imágenes de archivo. Alencar ofrece una versión mas intimista y austera de la vida y hechos del delantero carioca que de su carrera deportiva pero deja demasiado olvidados los grandes logros que Garrincha consiguió, incluido el ser comparado o alabado mas que el propio Pele. No se habla de su progresión, de su estilo jugando o de las habilidades que poseía sino de sus dos grandes adicciones, las mujeres (tuvo 14 hijos), el tabaco y el alcohol. Es triste ver como una figura de la importancia que es Garrincha no solo para el fútbol brasileño sino para el mundial está tan mal presentada por un director patrio como es el propio Alencar. No perdáis el tiempo con esta película.

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Ixcanul, erupción centroamericana

por Olvin Otero

El cine guatemalteco ha entrado en una etapa de crecimiento  con un gran  número de producciones cada año, y pasa por un momento muy especial dentro del circuito festivalero, mismos espacios  que  pusieron a  Guatemala   en  el  panorama mundial   con el  film El silencio de  Neto (1994)  de  Luis Argueta que  formó parte  de  la  Selección Oficial  del Festival de Sundance 1995.

Uno de los directores más habituales  -y quien es referencia del cine la región- es Julio Hernández Cordón, ganador de múltiples premios con Gasolina (2008),  Las marimbas del Infierno (2010) y Polvo (2012), esta última nominada al Leopardo de Oro en  el Festival de Locarno 2012. 

El director Jairo Bustamante, un desconocido para muchos, sale del anonimato,  como lo hizo la directora costarricense Laura Astorga que formó parte  de la sección Generation14plus de la Berlinale 2013, con su ópera prima ‘Princesas rojas’.

El cine centroamericano existe.

La edición 65 del Festival Internacional de cine de Berlín se convirtió el 14 de febrero de 2015 en un evento histórico para el cine guatemalteco y centroamericano.

Una ópera prima habitualmente forma parte de la programación en las secciones paralelas, por lo que  el debut de Bustamante rompía paradigmas al quedar entre las 19 cintas que competían por el  Oso  de  Oro. La  primera  cinta  guatemalteca  (y  centroamericana)  en  competir  por  el máximo reconocimiento en un festival clase A. Junto a él -y poniendo la nota latina- los chilenos Pablo Larraín y Patricio Guzmán, en una competición entre veteranos y jóvenes promesas: Andrew Haigh, Malgorzata Szumowska, Terrence Malick, Jafar Panahi o Werner Herzog. 

Los aplausos tras su exhibición y las reseñas de la crítica internacional ya hacían sonar su nombre un día antes de la gala de clausura, las quinielas le apostaban a una ópera prima hablada  en  kaqchikel  como una de  las  fuertes  candidatas  a  los  premios  grandes  de  la edición. La cinta ya había recibido una mención especial por su honestidad y valentía, en la categoría Cine en Construcción del Festival de San Sebastián 2014.

Finalmente Ixcanul se alzó con el Oso de Plata: Premio Alfred Bauer. Un reconocimiento dedicado a las cintas que abren nuevas perspectivas. El premio, en honor a Alfred Bauer -fundador del festival-  se ha entregado desde 1987. Bustamante regresa el reconocimiento a Latinoamérica, anteriormente el mismo ha sido ganado por las cintas argentinas La Ciénaga (2001) de Lucrecia Martel,  El custodio (2006) de Rodrigo Moreno,  y la uruguaya Gigante (2009) de Adrián Biniez. Compartido además con otros grandes cineastas como Andrzej Wajda, Miguel Gomes, Denis Côté, Zhang Yimou o Park Chan-wook.

Escrita y dirigida por el mismo Bustamannte y filmada en las faldas del volcán Pacaya, ‘Ixcanul’ (volcán en lengua kaqchikel) narra la historia de María, joven maya de 17 años y su  apresurado paso  a  la  vida adulta.  Aunque María sueña con ver la  ¨gran ciudad¨,  su condición de mujer indígena no le permite cambiar su destino. Una cinta de denuncia que toma  como  base  un  retazo  de  la  historia  étnica  de  Guatemala,  con  recuerdos  de  un genocidio.

Jairo  Bustamante  con estudios  de  publicidad  en  su  natal  Guatemala,  pero  radicado  en Francia, ha cursado estudios de cine en París y Roma. Con algunos cortos a sus espaldas (Usted - 2009, Au Détour Des Murs, Les Visages D'une Cité – 2010, Cuando sea grande - 2012),  su  interés por  mostrar  relatos de  la  vida en Guatemala ya eran visibles cuando abordaba el tema indígena y las desigualdades en su corto ‘Cuando sea grande’ (2012). El director se encuentra en producción de su nuevo proyecto: El escuadrón de la muerte.

La cinta  ahora mismo forma parte  de  la  Selección Oficial  del  festival  Internacional  de Guadalajara  y  Cartagena  de  Indias.  Lo  siguiente  lograría  ser  un  fenómeno  que  podría funcionar con los Premios de la Academia, cuando los mimos pueden servir de lanzamiento del cine de la región. Históricamente un impulso a las cintas foráneas. Algo parecido  al efecto ‘La Teta Asustada’ de Claudia Llora cuando en 2009 ponía su cine en el panorama mundial, la directora formaba parte del jurado en esta edición de la Berlinale y de quien no se descarta influencia en el premio.

De momento  Nicaragua es el único país centroamericano en lograr la nominación al Oscar con ‘Alsino y El  Cóndor’ (1982) una hermosa y sincera fábula dirigida por el  director chileno  Miguel Littín, exiliado en México debido a la dictadura chilena. ‘Ixcanul’ tiene todas las cartas listas para seguir haciendo historia.

El premio a Ixcanul no solo es histórico, significa un impulso a una industria sin apoyo estatal pero en pleno crecimiento  y con grandes directores, en primera instancia debería abrir las puertas el apoyo a la producción de más proyectos de la región.

Así concluyó una Berlinale con alto compromiso político con su Oso de Oro para 'Taxi', de Jafar  Panahi  (condenado  por  desafiar  al  régimen  iraní),  y  un  triunfo  para  el  cine Latinoamericano, el que cada año tiene su espacio reservado.

Premios al cine latinoamericano

Gran Premio del Jurado para ‘El Club’ de Pablo Larraín (Chile).

Mejor Guion y Premio del Jurado Ecuménico para Patricio Guzmán por su documental ‘El Botón de Nácar’ (Chile).

Premio Alfred Bauer para Ixcanul de Jayro Bustamante (Guatemala).

Mejor Ópera Prima para ‘600 Millas’ de Gabriel Ripstei (México).

Mejor documental (Teddy Award) para ‘El hombre nuevo’ de Aldo Garay (Uruguay-Chile)

Mejor cortometraje (Teddy Award), San Cristóbal de Omar Zúñiga (Chile)

Mejor Largometraje (Teddy Award) para la producción americana ‘Nasty Baby’ dirigida por el chileno Sebastián Silva (La Nana, 2009).

Premio CICAE (Sección Panorama) para ‘Que horas e la Volta’, de Anna Muylaert (Brasil).

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Claqueta Latina: Crónicas (2004) de Sebastián Cordero

Por Marckwire21

'Cronicas' es un thriller dramático dirigido por el ecuatoriano Sebastián Cordero en 2004 e interpretado por el trio multicultural que forman el colombiano John Leguizamo, el mexicano Damián Alcázar y la española Leonor Watling. Es una coproducción entre Ecuador y México en la que participaron Producciones Anhelo, Cabezahueca, Tequila Gang (Guillermo del Toro) y Esperanto Filmoj (Alfonso Cuarón). La fotografía es del también nacido en Ecuador, Enrique Chediak ('The Maze Runner', '127 Hours', 'RED 2' o '28 Weeks later') y la banda sonora del compositor brasileño Antonio Pinto ('Ciudad de Deus', 'Senna', 'Get the Gringo' o 'Trash').

Manolo Bonilla (Leguizamo), es un reportero de un programa de sucesos dirigido a la población latina de Miami que en su búsqueda de la historia que lo catapulte al estrellato periodístico recala en un pueblo pequeño de Ecuador donde un asesino de niños conocido por 'El monstruo de Babahoyo' tiene aterrorizados a todos los habitantes. Al poco de llegar allí, el equipo del programa presencia un hecho increíblemente violento e imprevisto que termina con la injusta encarcelación de un pobre diablo llamado Vinicio Cepeda (Damian Alcázar). Bonilla junto a su equipo formado por la productora Marisa Iturralde (Leonor Watling) y el reportero/montador Iván Suárez (José María Yazpik) se verán envueltos en la propuesta de Vinicio de revelarles información veraz y de primera mano sobre 'El monstruo de Babahoyo' a cambio de emitir una entrevista sobre su injusta entrada en prisión y el linchamiento publico recibido.

Tras un potente y vigoroso arranque en el que asistimos a un salvaje, violento y auténticamente real linchamiento publico, la película va diluyéndose en una mezcla de géneros sin definir, culpa en parte, de querer desmarcarse de los thrillers típicos de este calado. Lo mejor de todo el film es la interpretación de Damian Alcázar como Vinicio que, curiosamente, es con quien Cordero empieza la película y luego olvida desafortunadamente para el desarrollo de la misma. El poder de la película estaba en las conversaciones entre Vinicio y Bonilla, en el drama de las vejaciones carcelarias y la oportunidad que se le presenta al acusado de salir libre ante un aspirante a héroe como el presentador que cree ciegamente saber quien es en realidad el condenado. Cordero deja a un lado el personaje mas interesante de todo el film en pos de mostrarnos una critica a la cruel realidad de algunos medios informativos que realmente nunca llega a importar ni a mostrar al 100%. Cuando aparece la moral informativa? Al final con la decisión que toman los tres integrantes del programa o al inicio cuando Bonilla interviene en el linchamiento? De cualquiera de las maneras, salvo estos dos momentos puntuales, la critica al éxito periodístico por encima de todo no existe en ningún momento, Cordero, navega desde el final de los primeros 15 minutos hasta el final en una serie de escenas de impecable fotografía, no tanto la música, que nada aportan al mensaje que el director quiere transmitir. Aporta algo lo que sucede entre Bonilla y Marisa? Para nada, ni eso, ni tampoco las canciones que no pertenecen a la banda sonora original, están fuera de lugar. 'Cronicas' quiere ser tantas cosas y desmarcarse tanto del thriller convencional que su mensaje o critica termina por no interesar. Dramas personales mal desarrollados como el de Vinicio, su mujer e hijo o el del supuesto trio amoroso que nada aporta a la trama, un protagonista que no da la talla en ningún momento porque Alcázar se lo come en todos los cara a cara y donde los momentos de tensión escasean salvo los del arranque.

En definitiva, de no ser por Damian Alcázar, la película no tendría nada interesante. Es una lastima, porque creo sinceramente que la historia es buena pero esta muy mal rodada o desarrollada, con unos actores de nombre pero no de calidad y un equipo de semejante potencial contrastado a nivel mundial se podría haber realizado un thriller mucho mas compacto y completo. Por cierto, el presentador del programa desde Miami es Alfred Molina. Thriller regular.

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Claqueta Latina: Conducta (2014) de Ernesto Daranas

Por Marckwire21

'Conducta' es una de las cuatro nominadas a mejor película hispanoamericana en los Goya 2015 que se celebrarán este próximo día 7 de febrero en Madrid. La cinta cubana dirigida por el veterano guionista y director Ernesto Daranas, es su segundo trabajo tras 'Los dioses rotos' en 2008. El cine de Daranas muestra o es un reflejo claro de la sociedad cubana mas desfavorecida y los males tan arraigados que la llevan acechando toda la historia: pobreza, falta de educación, prostitución, etc . En 'Conducta' todo lo que vemos o sentimos respecto a sus personajes viene provocado por la figura central de un chico algo problemático llamado Chala (Armando Valdes Freire). Sin saber la identidad de su verdadero padre y con una madre enganchada al alcohol y las drogas, Chala se ocupa de criar palomas y perros para peleas con el fin de llevar un plato de comida a la mesa mientras acude diariamente al colegio. Con 11 años es el hombre de la casa, un hombrecillo que no deja de ser un niño al que todos sus males brotan cuando esta expuesto ante otros de su edad. Una pelea con otro chico coincidirá con un terrible accidente de su eterna profesora, la única persona que Chala obedece a pies juntillas, provocando la llegada de una novata sustituta y el ingreso del difícil Chala en un reformatorio. Tiene una duración de 108 minutos y esta producida por Latino Films y el Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC).

En torno a este pilar central que es Chala, hay una variedad de personajes muy bien diseñados que aportan la cantidad justa de información para no caer en el drama fácil, aparte de la madre de Chala, Sonia (Yuliet Cruz), esta la figura que Daranas potencia mas, la de la profesora. Muchos vais a identificar en el carácter de esta profesora el de algún docente que tuvierais en vuestros años de primaria. Carmela (Alina Rodriguez), no es una profesora anticuada, no usa métodos arcaicos ni rudimentarios no, Carmela es una de aquellas profesoras que se volcaban totalmente con los alumnos a los que enseñaba y en especial con los que son como Chala. Su afecto, amor y respeto por estos niños mas allá de unos simples libros y su obcecación con no dejarlos solos les pasara lo que les pasase se palpa en cada frase que suelta en defensa tanto de su protegido como del grupo. También hacen un gran trabajo el grupo de niños alrededor de Chala, tanto sus dos amigos, como los rivales y las niñas donde encontramos a la seria Yeni (Amaly Junco), una chica responsable por la que el joven cubano bebe los vientos. Pero el drama que presenta Daranas aborda mas personajes, el padre de Yeni, antiguo alumno de Carmela y que hace lo posible por darle a su hija todo lo que puede, la profesora sustituta María (Miriel Cejas), que no deja de aprender de la maestra veterana y sus métodos, el resto del claustro del colegio o  Ignacio (Armando Miguel Gómez) 'amigo' de la madre de Chala.

La veterania de Daranas en la construcción de guiones se hace patente en 'Conducta', un film que funciona como drama, como historia de amor juvenil y de superación al mismo tiempo que como critica a una sociedad que debe encontrar en los valores de la dignidad la manera de sobrellevar un día a día nada propicio. Y hubiera sido fácil caer en el drama bajo, en mostrar las miserias de una sociedad, pero sorprendentemente no es así. La película arranca muy floja, casi parece que no pasa nada y realmente, tampoco ocurre nada grave, sino que todas las historias van cobrando importancia cuantos mas minutos se llevan vistos, es mas, tras pasar la barrera del ecuador de la producción todo cobra un interés especial, dan ganas de seguir viendo que ocurre en la vida de Chala y los que le rodean porque se aprecia el cambio, se aprecia que poco a poco todo empieza a dar sus frutos. Daranas deja un mensaje muy positivo y lleno de optimismo en sus minutos finales. Otro de los grandes aciertos es el escenario en que se nos muestran estas historias, una Cuba desaliñada, desteñida pero que mantiene un aire místico e histórico que la hacen bellísima. La fotografía de Alejandro Pérez en una zona tan pobre de La Habana es magnifica y digna de mencionar pues sitúa a todos en un único contexto en el que resaltan los personajes y sus dramas por encima de todo. Cada vez que Chala sube a la azotea a controlar sus animales es una gozada visual. No hay banda sonora sino sonido diegético, es decir, sonido ambiente, lo que se oye, es lo mismo que oyen todos los personajes y esta dirigido por Juan Carlos Herrera que, además de contar ya con 17 trabajos en su carrera participo como asistente prop maker: action vehicles en la reciente 'Exodus: Gods & Kings'.

Ojo, no estamos ante una versión de la colombiana 'La vendedora de rosas', ni de 'El Padrecito' de Cantinflas, ni tan siquiera se acerca a esa relación de la juventud con las drogas, 'Conducta' es una fabula cubana, un drama de buen ritmo que jamás cae en lo pretencioso y que gracias a un sencillo guión y a la magnifica interpretación de sus protagonistas elevan la película a la altura que se merece.

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Ecuador Cinema: Mejor no hablar (de ciertas cosas)

por Daniel Bermeo

De que el cine ecuatoriano ha tomado un fuerte impulso en los últimos años es una realidad que no se puede tapar con un solo dedo. Ya atrás quedaron los años en los que solamente un par de films eran producidos anualmente y uno que otro lograba obtener un éxito moderado. Desde hace unos cinco o seis años la industria cinematográfica ecuatoriana ha recibido un gran empuje y ahora cada vez más se abren puertas, ventanas o caminos para que las diferentes propuestas pueden llegar a tener luz. Esto ha pasado con la reciente película de Javier Andrade "Mejor no hablar (de ciertas cosas)", obra nacida y creada en territorio costero del Ecuador que ha recibido halagos internacionalmente y fue la representante de este país en los premios Oscar del 2014.

La película se centra en la vida de Paco Chávez quien lleva una vida decadente y encantadora en la costa del Ecuador. Esa vida la impulsan las drogas y el romance eterno e ilícito que tiene con Lucía, su novia del colegio, ahora casada con otro hombre. Una noche, Paco y su hermano menor Luis, un músico de punk fuera de control, entran a la casa de sus padres para robarse un caballo de porcelana para empeñarlo y conseguir drogas. Su padre los descubre y se arma una pelea violenta en la que todo el mundo pierde los cabales. Las consecuencias de esa pelea perseguirán a los hermanos para siempre y cambiarán la vida de todos a su alrededor.

Las consecuencias de una noche frenética dirigidas por los impulsos de conseguir placer a base de lo ilegal serán gigantescas para dos hermanos nacidos y criados en el pudor de una familia aristocrática de Ecuador. Andrade en su película nos sumerge a una odisea de emociones intensas, capaces de atrapar con mucho énfasis lo que se cuenta en este crudo relato. "Mejor no hablar de ciertas cosas" es una película dotada de vida y mucha realidad, una realidad que aqueja y se siente hiriente, que palpita sudor y miedo a borbotones, un miedo a lo desconocido, un miedo a la aventura, un miedo a experimentar los sueños, un miedo a las realidades que se crean aunque no se las desee. En la película Paco nos va narrando su vida y cómo ha llegado a un punto culminante en el que todo a su alrededor es una fachada de lo que nunca soñó. Nos cuenta cómo su familia vive de las apariencias mientras él y su hermano se hunden en el vicio, la corrupción y problemas de distinto índole. El film habla de relaciones familiares quebrantadas donde la búsqueda por la imagen y la estética predomina antes que los propios valores. Para ello somos invitados a contemplar el destino de los dos hermanos (el otro se llama Luis) tras la muerte de su progenitor. Paco se hunde en la depresión y pese a obtener algo que siempre quiso (su unión y convivencia con el amor de su vida) se ve pronto atrapado en un mundo en el que reconoce no saber a dónde ir. Paco no tiene nada claro, vive a la deriva. Luis, por su parte, es todo lo contrario. Tiene determinación, tiene sueños, y lucha por cumplirlos aunque las maneras no sean los mejores. Es impulsivo, sí, y muy desarmado. Descontrolado, egoísta, mal hablado y destructor. Son de personalidades opuestas y Andrade trata de hacernos comprender y matizar la importancia de esto.

"Mejor no hablar (de ciertas cosas)" también retrata otros tipos de males de la sociedad contemporánea en el país, donde la corrupción ligada a la delincuencia son casi pan de cada día. Lo notable de este punto es que su director lo envuelve en una interesante capa que logra no palpar la manipulación en ningún momento. También la música cobra vital importancia (aunque a veces pareciera exagerada y estirada en demasía) dotando de músculo a una cinta donde las letras acompañadas de la melodía saben a gloria. La música se transforma en ese consuelo vital a almas ahondadas en el delirio y la melancolía. Andrade opta por diversos ritmos sin centrarse en un mundo especial. Retuerce a la audiencia sumergiéndola en los compases de las guitarras, ya sean tocando punk o algún bolero interesante.

Si de algo hay que culpar a la película es de ciertas irregularidades a la hora de conectar todo; llega un momento en el que existe la sensación de relleno (ya lo advertía arriba) y eso provoca una desconexión a una propuesta interesante. Con ello no indico que la película se vaya a pique, no, pero es un problema evitable. Ciertas obviedades también saltan a la palestra cuando deberían no profundizarse. Sufro un poco (en el no tan buen sentido de la palabra) con ciertas historias que no terminan de llegarme del todo una vez dado el mayor punto de inflexión, y esto quizás ocasionado por la incapacidad de ciertos intérpretes de conseguir que sus personajes trasciendan sobre sus ¿mal dibujados? personajes. Victor Aráuz es la mayor sorpresa del trabajo actoral, su actuación es deslumbrante, y aunque está ayudado porque su personaje es el mejor descrito de todos, consigue lo que se propone.

Luego está el desenlace que da para mucho tipo de polémica, pero pese a ello y lo que se pueda decir o criticar debo decir que me parece interesante el tono del mismo, creo que se percibe cierta sátira al mundillo político y la manera de rodarse es notable. Digo, el film se permite ciertas "licencias" para llegar a este final, se notas ciertas costuras, pero aun con ello, resulta ampliamente confortante.

La fotografía recurre mucho a colores opacos, dándole importancia a la opacidad de la vida de sus personajes, aunque cobra vida en los momentos más enérgicos (conciertos, fiestas). Destacar además un buen trabajo de montaje. Mejor no hablar de ciertas cosas se expresa como una película que desafía lo establecido. Destaca su introspección con cierto tono satírico a la alta sociedad ecuatoriana. Su final, quizás demasiado extraño para algunos, incluso ridículo, refuerza esa sensación. Habría que verla para comprobarlo en definitiva.

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Claqueta latina: Ukamau (Así es) (1966) de Jorge Sanjinés

Por Marckwire21

La ópera prima del boliviano Jorge Sanjinés en 1966, 'Ukamau', es un gran thriller atemporal sobre la venganza con aires de puro western. Una lucha de clases mostrada de manera sutil, ágil y absorbente con una factura técnica impecable.

Dirigida y escrita por Jorge Sanjinés, esta producida por el I.C.B. en el año que el mismo presidio dicha institución. La fotografía es de Hugo Roncal en colaboración con el hermano del propio Sanjinés, Genaro, y la banda sonora es obra de Alberto Villalpando que tras contadas participaciones en otras producciones bolivianas dejo su trabajo en 1984 con 'Amargo mar' hasta 2007 con 'Los Andes no creen en Dios' y en 2012 con '¡Volveremos a las montañas!', mas de 20 años fuera del panorama cinéfilo boliviano. Curioso cuanto menos como que un buen director como es Jorge Sanjinés haya visto reducida su producción de films a 1 cada 6 años como mínimo durante toda su carrera, debe darnos una idea de lo difícil de sacar una película adelante en un país como Bolivia. El último trabajo conocido de Sanjinés es un drama histórico estrenado en 2012 titulado 'Insurgentes'.

La acción se situa en Isla del Sol, Lago Titicaca. Andrés Mayta (Vicente Verneros Salinas), es un campesino indio del pueblo aymará que regresa de trabajar y se encuentra con su mujer Sabina (Benedicta Mendoza) violada y asesinada. Conocedor del asesino y en silencio ante el resto de campesinos por los comentarios que pudieran surgir, Andrés planea su venganza sin saber que el destino lo pondrá en el camino del asesino...un asesino al que sus propios demonios lo devoran y llevan al encuentro del campesino indio inexorablemente.

'Ukamau' se ha convertido con el tiempo en un film de culto sobretodo en Sudamérica y mas concretamente en Bolivia, su país de origen. El porqué tiene que ver con su creador, Jorge Sanjinés. Nacido en pleno verano de 1936, con 21 años se trasladó a Chile para inscribirse en un curso de cine dictado. A la edad de 25 años y con algunos cortos a sus espaldas regresó a su país natal para formar el Consejo Nacional de Cultura Para el Cine en 1962 y presidir entre 1965 y 1966, el Instituto Cinematográfico Boliviano, I.C.B. (productor de 'Ukamau'). Desde su regreso a Bolivia y hasta 1966, Sanjinés rodaría una decena de cortos y mediometrajes junto a Oscar Soria con quien tras filmar 'Ukamau' formaría el grupo cinematográfico conocido por el mismo titulo de la película, el grupo Ukamau. Dicho grupo junto a Ricardo Rada y Antonio Eguino fundaría la primera Escuela Fílmica Boliviana y el Cine Club Boliviano que a la postre seria quien llevara a cabo el primer Festival Fílmico Boliviano. Todo un fenómeno que comenzó con la aventura de un solo hombre, Jorge Sanjinés y su viaje a Chile para formarse como cineasta. Un viaje cuyo resultado fue la creación no solo de un festival de cine sino también del aumento del interés de la gente por el séptimo arte en un país tan subdesarrollado como Bolivia. Algo que, desgraciadamente no ha seguido ocurriendo con el paso del tiempo.

'Ukamau' no es solo un film de culto por este motivo sino por como esta rodada, montada y mostrada al publico, la enésima demostración que no hacen falta grandes presupuestos si se tienen grandes ideas. La figura del campesino indio frente al acomodado ciudadano representa la eterna lucha entre los mas oprimidos y los que creen no estarlo, entre el indio y el mestizo. Sanjinés coloca esta lucha de clases en segundo plano de manera sutil, perfecta, dando rienda suelta a que el espectador pueda sentir que no esta viendo algo vacío o sin profundidad. También hay tiempo para lo religioso y lo onírico pues la puesta en escena de muchos tramos de la película evocan a eso precisamente, a no quedarse en lo que vemos, sino en lo que transmiten esos pasajes tan de fabula mágica. Técnicamente es fantástica y tiene una fotografía muy inteligente, llena de grandes planos y escenas que sin palabras transmiten mucho mas que si estas existieran en ellas. Y digo esto porque la calidad de la copia que he podido ver no daba para mucho y en la película se hablan dos idiomas, español y en aymará, el segundo idioma oficial tanto de Bolivia como de Perú muy difícil de seguir. Este complicado idioma estaba subtitulado pero con tan mala suerte que muchas de las escenas ocultaban precisamente los subtítulos y es imposible seguir la acción de lo que ocurre con toda la precisión que uno hubiera podido desear. Aun y con este gran escollo en contra, resulta que Sanjinés expresa genialmente todo lo que desea transmitir al espectador con imágenes y consiguiendo así obviar casi los diálogos por no perderse la gran belleza que el director boliviano muestra en cada una de sus tomas.

Posee un ritmo ágil sobre todo en su arranque y lo único abrupto y fuera de tono es el final tan nervioso que Sanjinés aplicó a este su primer film. Aunque la verdad es que ese final tan mal rodado para nada lastra todo lo visto antes en sus 70 minutos, que ese es otro de sus puntos fuertes, su escasa y breve duración, pues el ritmo ágil de su inicio no se ve en ningún momento dañado por relleno barato, el director sabia lo que quería mostrar y así lo hizo. Destacaría lo satisfactorio que resulta encontrar que de una simple historia de venganza, se pueda ver una historia tan atrapante con una fotografía sublime y una música provocadora de esta manera. La banda sonora donde predomina la flauta del campesino indio me recordó mucho a la harmónica de Bronson en 'Once Upon a Time in the West' y el efecto de esta en los ojos de los malechores como en 'Ukamau' la del asesino. Otra genialidad de Sanjinés o acierto es que aun mostrando al culpable desde el inicio la película no pierde ni un ápice de interés. Thriller atemporal que puede ser visto y disfrutado en cualquier época pues esa eterna lucha de clases, el thriller de venganzas o el western mas italiano siguen siendo géneros muy seguidos en la actualidad y por los que nunca parece pasar el tiempo.

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Claqueta latina: La reconstrucción (2013) de Juan Taratuto

Por Marckwire21

'La reconstrucción' de Juan Taratuto es un frío drama intimista donde el director argentino tiene sus primeros escarceos con el drama sin olvidar el tema base de todos sus trabajos, las relaciones humanas.

Este interesante y simple drama cuenta la historia del resurgir emocional de alguien con una tragedia interior muy grande, tan grande que lo lastra y aísla de todo el mundo, y de si mismo. Despreocupado por completo de su higiene y en pocas palabras, importándole todo y todos un carajo (solo hay que ver la escena inicial), Eduardo (Diego Peretti) es un experto y obsesivo trabajador de una empresa petrolera que un día recibe la llamada de su acomodado amigo y ex-compañero de trabajo Mario (Alfredo Casero) para que vaya a su casa en Ushuaia y lo ayude en el pequeño negocio que este tiene. Allí Eduardo conocerá también a Andrea (Claudia Fontán) la mujer de Mario y sus dos hijas adolescentes, Ana (María Casali) y Cata (Eugenia Aguilar). Un grave suceso traerá la tragedia y con ello el destino ofrecerá a Eduardo la posibilidad de reconstruir su vida y volver a tener dentro de su cuerpo algo que hacia ya tiempo no tenia, emociones y sentimientos.

Producida por Concreto Films, CineAr y Telefe, 'La reconstrucción' esta dirigida y escrita por Juan Taratuto, director de comedias en su totalidad como 'No sos vos, soy yo', '¿Quién dice que es fácil?' o 'Un novio para mi mujer'. En el guión también colabora el protagonista y habitual del realizador, Diego Peretti ('Tiempo de valientes', 'La señal' o 'Maktub') que con un personaje de escasas frases consigue transmitir todo lo que desea únicamente con gestos y miradas. Un papel perfecto para Peretti que esta genial, difícil de empatizar al inicio y desde luego capaz de emocionar en los momentos clave como en la escena donde cuenta su pasado a Andrea o en la del final de la película. Taratuto y Peretti repiten de nuevo en 2015 como director y protagonista en la comedia futbolera, 'Papeles en el viento'. El resto del elenco esta aceptable, muy natural, tienen su peso en la producción pero no son personajes con una gran profundidad ni tampoco se nos quiere explicar nada sobre ellos, en 'La reconstrucción' solo hay un protagonista, y ese es Diego Peretti, sin desmerecer al resto, claro.

Buena banda sonora de Iván Wyszogrod, habitual de Taratuto y con una larga carrera a sus espaldas, buen uso del piano en dos o tres momentos clave y nada mas, escasa o precisa según se mire, personalmente creo que funciona muy bien porque no oculta los importantes silencios que en la película hay y que dicen mucho al espectador. Contiene al margen dos canciones escritas e interpretadas por Alexi Murdoch tituladas 'Wait' y 'Towards the sun'. La fotografía es de un debutante Nico Hardy que no saca todo el partido que se podría haber sacado a una región como es la capital de la Provincia de Tierra del Fuego, Ushuaia, también conocida como Ciudad del fin del mundo.

'La reconstrucción' es un efectivo, que no efectista, simple drama personal con una mirada introspectiva a la capacidad del ser humano de reponerse de cualquier tragedia por muy grave que pueda ser. La vida continua y uno puede encerrarse en si mismo como Eduardo, pero cuando alguien así topa con un igual pero mas débil, su coraza se viene abajo. Un tipo tan encerrado en su mundo que no solo no es capaz de mirar a los ojos a quien habla, y ya no digamos dedicarle una mísera palabra, termina encontrándose ante un giro inesperado en su vida que lo cambiara por completo en su manera de pensar y de actuar, viendo por fin, la luz al final del túnel que se negaba a mirar obviando que no existía. 'Estas cosas pasan...' dice Eduardo, '...simplemente pasan...'. Buen primer acercamiento al drama de Taratuto que dirige bien lo que quiere transmitir sin caer en lo pretencioso o escabroso, un drama de 93 minutos, de factura rápida, simple y sencilla. Sin más.

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La crítica de Gonzalo: Uno al año no hace daño

por Gonzalo Restrepo Sánchez

Sin ser un fanático del "cine" del cineasta colombiano Dago García, debo de aceptar que estamos ante su mejor trabajo (aunque aquí sólo escribe el guión y trabaja en el montaje). La idea parte de lo “bebedores” de ron que somos los colombianos, ante cualquier situación por sencilla que sea. Y si no es así, la buscamos. Siempre estamos dispuestos a tomar alguna que otra copa (y es que al año, uno una no hace daño).

Además, todo se adereza en clave de comedia (un excelente Waldo Urrego). No resultó difícil el casting para escoger una familia de clase media. En este sentido los actores personifican a cada uno de los miembros de una familia común y corriente y el espectador se siente identificado. Además se ríe de su propia realidad.

Bien por Dago García, pues si mucho se le cuestiona su cine, en esta oportunidad dio en el clavo, en el sentido de no metaforizar la realidad de un pueblo colombiano, más acostumbrado a las pequeñas “juergas” con alcohol incluído, que aparentar un estatus económico, ya que “por sus actos los conoceréis”. De todas formas, “uno al año no hace daño” ya que Las buenas costumbres se conforman unas con otras, y por eso duran. ¿Y quién ha dicho que no se pueden decir las cosas en broma?

 

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Claqueta latina: El Chacal de Nahueltoro (1969) de Miguel Littin

Por Marckwire21

El chileno Miguel Littín escribió y dirigió en 1969 este truculento documento cinematográfico producido por Luis Cornejo Gamboa en el que se relatan los escabrosos hechos sucedidos en la localidad chilena de Nahueltoro el 20 de agosto de 1960 cuando Jorge del Carmen Valenzuela Torres (Nelson Villagra) asesinó a su compañera Rosa Rivas (Shenda Roman) y a sus 5 hijos brutalmente. Este hecho le otorgó el apodo de 'El Chacal'. Segunda película del realizador sudamericano en su carrera tras 'Por la tierra ajena' en 1965 y que le serviría para lanzar su carrera como director consiguiendo la nominación al Oso de Oro y ganando el OCIC Award en el Festival de Berlin de 1970. Littin rodó un total de 17 películas y esta reconocido como uno de los directores sudamericanos mas vanguardistas de su época entre las que destacan tres además de esta 'El chacal de Nahueltoro' que es considerada parte del 'Nuevo Cine Chileno' junto a 'Valparaíso', 'Mi amor' y 'Tres tristes tigres', todas ellas estrenadas en el Festival de Cine Latinoamericano de Viña del Mar en 1969. Son: 'Actas de Marusia' de 1975 por la que recibió la nominación al Oscar y a la Palma de Oro en Cannes, 'Alsino y el cóndor' nominada al Oscar de 1982 y 'El recurso del método' que fue nominada a la Palma de Oro en 1978. Su de momento, ultimo trabajo, fue este recién terminado 2014 con otro drama histórico basado en hechos reales titulado 'Allende en su laberinto'.

Sin dejar de lado en ningún momento sus continuos acercamientos al documental con la narración puntual de los hechos extraídos de las declaraciones reales del propio Chacal, Littín presenta de una manera directa y auténticamente real el sangriento y extraño crimen que conmociono a todo un país en 1960. Lo austero del rodaje en todos sus sentidos, la utilización de los mismos lugares donde sucedió todo y sabiendo que se rodó tan solo 6 años mas tarde de lo sucedido le otorgan un plus de autenticidad inconsciente que juega a favor de la puesta en escena creada por Littín. Cabe recordar que el Chacal, no era un asesino en serie, ni tampoco un loco o un psicópata, tan solo hay que oírlo relatar los hechos para darse cuenta que era un pobre campesino analfabeto al que la bebida llevo a cometer un crimen espantoso. Recuerda por momentos lejanamente a 'El crimen de Cuenca' de Pilar Miro y como este funciona como documental ficcionado y como thriller a la perfección, sus 88 minutos fluyen a un buen ritmo menos en algunas escenas donde Littín bombardea con imágenes tipo corta y pega sin ton ni son de una manera desconcertante. Tiene grandes escenas como la de confesión de los hechos rodeado de policías, periodistas y publico, algo que hemos visto en cierto thriller coreano muy conocido; también tiene una fotografía portentosa obra de Héctor Ríos que saca del blanco y negro en un paraje tan simple como son unas montañas y bosques unos planos y encuadres perfectos. Los magníficos créditos iniciales con esos rostros casi desfigurados en un borroso blanco y negro al son de esa música llena de melancolía oída a veces en los spaguetti-western o en series como 'Anillos de Oro' es obra de Sergio Ortega. 'El Chacal de Nahueltoro' posee un arranque misterioso y oscuro, digno de un cuento rodado por Tim Burton con ese plano del bosque a los lejos y la pequeña silueta del niño Chacal caminando hacia el mundo exterior abandonando su hogar a los 8 años, solo, andando... como iba siempre a todos lados, andando. Nelson Villagra como el Chacal esta perfecto, ni un pero a su actuación.

Este oscuro y absorbente casi biopic express en el que Littín deja mas espacio al tiempo preso del Chacal que a los que llevaron a este a su fatal destino nos ofrece la posibilidad de entender el porque de su posterior adoración y mitificación por alguna parte del pueblo chileno. Su ambigüedad a la hora de mostrar unos hechos tan escabrosos sin dejar esconderse a su culpable de lo que verdaderamente hizo deja al espectador libre de opinar lo que quiera sobre un asesino al que la religión permitió redimirse y morir en paz. Gran trabajo de Miguel Littín ya que lo difícil no es hacer una película, sino la segunda, y con esta se confirmaba su buen hacer para el cine como se demostró a lo largo de los años en su progresiva carrera. Como apunte os comentare que la legión de seguidores del Chacal fue el motivo del rodaje en 2005 del documental 'Bajo el sur: tras la huella de un asesino milagroso' donde el actor que encarna en esta 'El Chacal de Nahueltoro' al brutal asesino realiza una revisión del fenómeno alrededor de su figura.

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Los bloggers y el cine latino: Daniel Bermeo

En esta nueva edición de “Los bloggers y el cine latino” volvemos a matar dos pájaros de un tiro. Por una parte conociendo los gustos y preferencias de un excelente blogger, Daniel Bermeo, compañero ecuatoriano que nos deleita continuamente en su excelente blog Cine Puro. A Daniel también lo podemos leer ocasionalmente en la revista/web El antepenúltimo mohicano.

Por otra parte aprovechamos para presentarlo como nuevo colaborador de Cine Latino, donde se encargará de lo relacionado con el cine de su país, Ecuador. Sin más agradecerle haberse unido a nuestro pequeño refugio y decirle que es un honor contar con su presencia.

  

 ¿Cuál es la primera película latinoamericana que recuerdas haber visto?

La verdad no recuerdo haber visto mucho cine latino en mi infancia, la mayoría del cine al que tenía acceso era o bien de la industria norteamericana, o bien del kung fu asiático. Pero sí recuerdo la primera película latina en marcar un antes y después en mi concepción del cine de este lado del mundo: "Y tu mamá también" de Alfonso Cuarón. La película llamó mi atención por su estilo, su narrativa, su forma de presentar la algarabía de un par de jóvenes y su aventura de descubrimiento y experimentación sexual. La vi con tiernos ojos, y años después volví a verla y mantiene esa esencia que llamó mi atención en su entonces.

¿Cuales son tus películas latinoamericanas favoritas de todos los tiempos?

Bueno, si es de nombrar, en una lista no me deberían faltar: El secreto de sus ojos, Ciudad de Dios, Estación de Central de Brasil, El chacal de Nahueltoro, Nueve reinas, María llena eres de gracia, La montaña sagrada, Amores Perros, Y tu mamá también y Ratas, ratones y rateros. Cada una con su estilo y cada una merecedora de análisis por lo que han aportado al enriquecimiento del cine latinoamericano.

Del cine actual, ¿qué país latino crees que tiene las propuestas más interesantes?

Sin duda en el panorama actual Argentina está despuntando considerablemente y cada vez tiene propuestas más sólidas e interesantes; seguido muy de cerca de México que también se luce año a año.

¿Qué películas “desconocidas” del continente latinoamericano te gustaría dar a conocer a otros cinéfilos?

Hay varias propuestas. Volviendo al cine latino hay unas cuantas que creo merecen el visionado de muchos: "Leonera" de Pablo Trapero es un drama carcelario sólido y muy real con una actuación protagonista bastante fuerte que merece nuestra atención. También en el mismo país está "Historias extraordinarias", un film que se disfruta a plenitud por cierto halo mágico que desbordan sus escenas. "El chacal de Nahueltero" fue una de las primeras películas chilenas en hacerse y la manera de presentar su historia como si de un documental se tratara aun con sus escasos recursos es de aplaudir. Otra historia chilena que merece atención especial es "La vida de los peces", bastante simple en su puesta en escena pero con una intimidad muy fuerte y profundas emociones. Y por último otra propuesta brillante y novedosa en el cine colombiano, "Pequeñas voces", un documental animado sobre lo que enfrentan los niños de ese hermano país, poético y crudo a la par de inocente.

¿Tus director@s latinos favoritos?

Alejandro González Iñárritu, Pablo Trapero, Sebastián Cordero, Alfonso Cuarón y Juan José Campanella, directores que se han ganado mi admiración.

¿Y actores y actrices?

Ricardo Darín es ya nombre de calidad al igual que Benicio del Toro y Gael García Bernal. En cuanto a actrices pues admiro la labor de Norma Aleandro y Adriana Barraza.

¿Cuál crees que es el nivel actual del cine latinoamericano?

Está tomando cada vez más importancia en el panorama internacional. Las propuestas cada vez se vuelven mejores y más consistentes, entregando al mundo una muestra de cómo se ve la vida desde los países latinos. Están aflorando nuevas tendencias de directores con visiones algo transgresoras que marcan territorio y tratan de competir con producciones estadounidenses o europeas, aunque sea un terreno algo difícil de vencer. Un nivel muy bueno del que espero seguir disfrutando mucho.

¿Crees que es valorado como se merece en la actualidad o que el público sigue teniendo prejuicios?

¡Aun los hay (prejuicios)! pero cada vez menos. Creo que se está concibiendo al cine latino como una puerta de escape que consigue presentar a nivel global nuestra cultura, y eso atrae y se lo valora en otros países lejanos a nuestra América Latina. Lamentablemente en nuestra salas se sigue observando (o al menos en las salas ecuatorianas) una mayor importancia a producciones de Hollywood, antes que al propio cine nacional o al menos de la región. Es algo que necesita un cambio urgente; la audiencia aun prefiere contemplar (en muchos casos) una buena dosis de acción y terror con cliches “made in USA” antes que un drama social ecuatoriano, por poner un ejemplo. ¡Necesitamos algo urgente!

En una escala cinematográfica global, ¿cómo estaría situado en tu lista de preferencias e intereses el cine latinoamericano?

Cada vez es mayor mi interés por este cine, porque he encontrado verdaderas joyas y me acercan a realidades que desconozco. Junto al cine europeo o de autor es de mis preferidos.

¿Has hablado de cine latino en tu blog?, ¿te gustaría acercarnos algún artículo o post que hayas hecho sobre él?

No he hablado de cine latino como un todo, pero me he referido a más de alguna producción hecha en este precioso subcontinente. Una de las más recientes es sobre “Leonera” una de las pelis que recomendé arriba y que hace además especial alusión al uso de las cárceles en el cine. Otra que escribí con mucho sentimiento es “La montaña sagrada” de Jodorowsky, de mis films favoritos y sin duda un film rompedor en todos los sentidos. Espero pronto dedicarle un artículo al cine latino como un todo.

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