Termina el rodaje de la cinta colectiva 7 días en La Habana

La coproducción hispano-franco-cubana 7 días en La Habana finalizó oficialmente su rodaje el pasado 6 de mayo de 2011, tras completarse las filmaciones de los cortometrajes dirigidos por Benicio del Toro, Pablo Trapero, Juan Carlos Tabío, Laurent Cantet, Elia Suleiman, Gaspar Noe y Julio Medem, que componen este largo que ofrece, a través de siete historias diferentes, un retrato contemporáneo de la ciudad. Morena Films y Full House producen la película, con la participación de Havana Club S.A., en la cual se ha invitado al mencionado grupo de directores a capturar a través de sus distintas sensibilidades, orígenes y estilos cinematográficos la energía y vitalidad que hace de La Habana una ciudad única.

Explica un comunicado oficial que "cada capítulo contará un día de la semana, a través de la vida cotidiana y extraordinaria de distintos personajes. Alejada de los tópicos turísticos, esta película pretende expresar el alma de esta ciudad a través de distintos barrios, atmósferas, generaciones y culturas de forma divertida y emocionante".

Cada una de las siete historias tiene un argumento distinto e independiente pero mantiene muchos puntos en común, ayudando así a crear una sensación de unidad dramática. El uso de localizaciones comunes también contribuirán a esta idea: lugares emblemáticos de La Habana, como el Hotel Nacional, el Malecón, etc., serán el escenario común para algunos de los capítulos.

El elenco artístico está formado por Josh Hutcherson, Emir Kusturica, Daniel Brühl, Jorge Perugorria, Mirta Ibarra, Vladimir Cruz, Daisy Granados y Elia Suleiman, entre otros.

La cinta cuenta con producción de Álvaro Longoria, Gael Nouaille, Didar Domehri, Laurent Baudens y Fabian Pisani; con la producción ejecutiva de Pilar Benito y Cristina Zumárraga y la coordinación de guiones de Leonardo Padura.

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Conoce un poco más a: Patricio Valladares

Aprovechando que ayer os pusimos el trailer de la nueva película de Patricio Valladares, hoy os dejamos un nuevo Conce un poco más a... con el director chileno de protagonista.

Patricio Valladares, nacido Chillán (Chile), en 1982, cuenta es su filmografía con las películas, Curriculum (2007), Departyd (2008), Dirty Love (2009), Toro Loco (2010) y La creación (2010). A parte, claro esta, de En las afueras de la ciudad, su nueva película.

Sin mas os ponemos el test:

1. ¿Que te motivó a ser director?

No tener un jefe de oficina.

2. ¿De cual de tus trabajos estas más orgulloso?

De todos, cada uno tiene horas de trabajo, sean mierdas o no da lo mismo.

3. ¿Qué historia sueñas con dirigir?

Die Hard, Robocop, alguna pelicula con mucho prespuesto, sangre y explosiones....o Machete 2.

4. ¿Con quién ardes en deseos de trabajar?

Con mi novia.

5. ¿Si no fuera director de cine habría sido…?

Doctor.

6. ¿Cuál es tu película favorita de todos los tiempos?

Muchas.

7. Un director clásico y uno actual

Paul Verhoeven y Takashi Miike.

8. Un actor clásico y uno actual

Serge François y Cristian Bale.

9. Una actriz clásica y una actual

Me gustan todas.

10. Una película clásica latinoamericana

El mariachi.

11. Una película actual latinoamericana

Toro Loco!!

12. Una serie de Tv

Family Guy.

13. Un libro y un escritor

American Psycho, Bread Easton Ellis o Hellraiser de Clive Barker

14. Un estilo musical y un grupo o cantante

Grincore, ...mmm... Whitehouse

15. Un deporte, un deportista y un equipo

Paso.

16. Una comida

Comida China.

17. Una ciudad y un país

Los Angeles, USA.

18. Si pudieras viajar en el tiempo ¿a que época y a que lugar viajarías?

Me quedo con la epoca que nací.

19. Una virtud y un defecto de ti mismo

Demasiado humor negro.

20. Un sueño por cumplir

Hacer un video juego y un remake!!

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Trailer de En las afueras de la ciudad

Hoy traemos el trailer de En las afueras de la ciudad, el nuevo trabajo del cineasta chileno Patricio Valladares, un thriller que se presenta en el mercado de Cannes, y cuyo trailer ha tenido una gran acogida.

Dos hermanas han sido criadas aisladas y sometidas a su abusivo padre, un traficante de drogas. Cuando por fin deciden denunciarlo, él mata a dos policías y es encarcelado. Pero las cosas van de mal en peor cuando se presenta su tío Costello, un psicótico capo de las drogas, quien busca su mercancía perdida en medio del bosque.

Web oficial

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La crítica de Gonzalo: En coma

por Gonzalo Restrepo Sánchez

Nada nuevo en el panorama del cine colombiano con esta cinta de Juan David Restrepo. Una historia de sicarios que toma como punto de partida Medellín y unos esbirros en la búsqueda de ¿qué?

Si bien la historia arranca en su primera mitad con buen ritmo y acciones trepidantes, poco a poco identificamos los mismos elementos de otras cintas sobre este tema en Colombia: “La virgen de los sicarios”, “Rosario Tijeras”, “Sin tetas no hay paraíso”, etc. Unos seres a la larga en callejones sin salida y una historia que parece ya haberse visto en algún lugar.

Y es que esa sensación de déjà vu es lo que resta a la cinta colombiana, que bien dirigida y manejada en su tempo y ritmo, pierde su encanto, llegando incluso a aburrir en algunos momentos. ¿Cuándo saldremos de este tema? No se sabe. Sin embargo, recuerdo un pensamiento de Akira Kurosawa que quiero traer a colación para responder la pregunta. “Si con el cine se copia la realidad, después no se la puede reproducir. En el cine la realidad se encuentra y se expresa mirando en primer lugar hacia adentro. Nosotros somos la medida y el rostro de la realidad".

“En coma” es un buen título, ya que es lo que se refleja en algunos personajes del film y, por las noticas recientes de Colombia, acerca de “carruseles” en varios estamentos del país... ¡Mejor ni hablar!

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Estreno: Miss Tacuarembó

Nuevo estreno latino en las pantallas españolas, esta vez se trata de Miss Tacuarembó, una película uruguaya en coproducción con España y Argentina. Dirigida por Martín Sastre y protagonizada entre otros por Natalia Oreiro, Diego Reinhold, Alejandro Tous, Sofía Silvera, Mirella Pascual y Rossy de Palma.

Natalia, una niña que crece durante los años 80 bajo la influencia de la telenovela Cristal y la película Flashdance en la lejana y pequeña ciudad de Tacuarembó, Uruguay, descubre que ser coronada Miss Tacuarembó es su única posibilidad de dejar atrás su aburrido pueblo natal y emigrar a una gran ciudad donde poder ser una estrella.

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La telenovela "Patito feo" se convierte en una ambiciosa película internacional

La telenovela juvenil argentina "Patito feo" llega a la pantalla grande luego de que dos potencias de la televisión latinoamericana, la mexicana Televisa y la argentina Ideas del Sur, se unieran a las españolas Elastic Rights y Lazona Films para desarrollar un film que contará con la distribución de Sony Pictures Releasing.

"Patito feo, la película" funcionará como un spin-off de la telenovela sobre una adolescente que se siente fea, pero posee una voz extraordinaria, según informa Variety. La cinta tendrá a los mismos protagonistas de la versión televisiva, los argentinos Laura Esquivel y Juan Darthés, aunque su rodaje se realizará enteramente en Madrid, ya que se seguirá el viaje que emprende la joven por España para acudir a una escuela internacional de talentos, donde vivirá nuevas aventuras y se enamorará.

El español José Manuel Carrasco ("El diario de Carlota") dirigirá la película contando con un presupuesto de 2,5 millones de euros, y un guión escrito por Mario Schajris, Marcela Citterio y Pablo Fernández. El rodaje comenzará el 20 de junio.

"Patito feo", producida por Ideas del Sur, es una telenovela que se emitió en la Argentina en los años 2007 y 2008, cosechando un gran éxito y convirtiéndose en un suceso musical, como otros productos que presentan historias que integran en su trama a cantantes o conjuntos musicales, en este caso, la protagonista se unía a un grupo llamado "Las populares" que se enfrentaba a "Las divinas". Fue vista en buena parte de América Latina y varios países de Europa, incluyendo España. Actualmente, MTV está produciendo un piloto en inglés para Estados Unidos.

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Michael Cera protagonizará thriller del chileno Sebastián Silva

El actor de "Juno" y "Scott Pilgrim contra el mundo", Michael Cera, viajará hasta Chile para ponerse a las órdenes de Sebastián Silva, director de la aclamada "La nana", en el thriller independiente "Magic, Magic". La película cuenta con producción de Mike White y una de las grandes figuras del cine indie americana, Christine Vachon ("I'm Not There", "Los chicos no lloran / Los muchachos no lloran").

Publica Variety que "Magic, Magic" cuenta la historia de una chica que durante unas vacaciones con amigos en un lugar remoto de Chile, comienza a perder sus facultades mentales. Intenta advertir de la situación a quienes la acompañan, pero -como suele suceder en estos casos- todos la ignoran hasta que es demasiado tarde.

Para Cera esta es una oportunidad de cambiar de registro, luego de protagonizar varias comedias, y para Silva -director y guionista- representa el primer paso en la industria norteamericana, tras haber llamado la atención con su drama "La nana", la historia de una sirvienta que tras más de dos décadas de servir a una familia ve peligrar su trabajo, que obtuvo el Gran Premio del Jurado y un premio especial para la actriz Catalina Saavedra en el Festival de Sundance y una nominación a los premios Globo de Oro en la categoría de mejor película en lengua extranjera.

Actualmente, la producción se encuentra buscando a la protagonista del film, por lo cual la fecha de inicio de rodaje se determinará una vez que se dé con la actriz adecuada.

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"El infierno" triunfa en los premios Ariel del cine mexicano

Considerada por los académicos como mejor película, galardón al que se sumaron los de mejor director (Luis Estrada), actor protagonista (Damián Alcázar), actor de reparto (Joaquín Cosio), edición, diseño de arte, maquillaje, sonido y efectos especiales, "El infierno" ha sido la gran triunfadora en la versión 53 de los premios Ariel del cine mexicano, entregados este sábado noche en la capital federal. Sólo dos estatuillas importantes (actuación femenina para Mónica del Carmen, por "Año bisiesto" y guión para Augusto Mendoza y Diego Luna, por "Abel") se le escaparon.

La satírica versión de la violencia que vive el país de parte de los cárteles de la droga y la corrupción subsiguiente ideada por Estrada, marca una clara coincidencia entre las decisiones con frecuencia polémicas de la Academia de Cine mexicana y el público, que hizo de "El infierno", uno de los grandes sucesos comerciales nacionales el año pasado.

Entre los perdedores, destaca la mexicano-española "Biutiful", candidata nacional al Oscar de parte de la propia Academia, que sólo obtuvo el Ariel a la mejor fotografía para Rodrigo Prieto, y "Abel", de Diego Luna, que aparte de por su libreto fue citada únicamente por el trabajo como intérprete revelación del niño Christopher Ruiz-Esparza.

Tampoco la más exitosa de las varias producciones relacionadas con los dos aniversarios centenarios del pasado año, la Independencia y la Revolución, "Hidalgo, la historia jamás contada", gozó del favor de los profesionales inscritos en el organismo, que le concedieron la estatuilla a mejor música, para Alejandro Giacomán. Por su parte, "El atentado", de Jorge Fons, se conformó con otro único galardón por su vestuario, para Gilda Navarro y Adolfo Ramírez. No obstante, su veterano y prestigioso director recibió un Ariel de Oro, lo mismo que la actriz Ana Ofelia Murguía.

El film de María Novaro "Las buenas hierbas" fue recompensado con los Ariel a mejor coactuación femenina, para Ofelia Medina, y mejores efectos visuales. Por su parte "Año bisiesto" tuvo un segundo galardón como mejor opera prima.

El premio a la mejor película iberoamericana lo compartieron la cubano-española "José Martí: El ojo del canario" y la española "También la lluvia".

Esta es la lista oficial de ganadores:

- Mejor Película
"El infierno", de Bandidos Films

- Mejor Dirección
Luis Estrada, por "El infierno"

- Mejor Actor
Damián Alcázar, por "El infierno"

- Mejor Actriz
Mónica del Carmen, por "Año bisiesto"

- Mejor coactuación masculina
Joaquín Cosio, por "El infierno"

- Mejor coactuación femenina
Ofelia Medina, por "Las buenas hierbas"

- Mejor actuación revelación
Christopher Ruiz-Esparza, por "Abel"

- Mejor guión original
Augusto Mendoza y Diego Luna, por "Abel"

- Mejor fotografía
Rodrigo Prieto, por "Biutiful"

- Mejor edición
Mariana Rodríguez, por "El infierno"

- Mejor música original
Alejandro Giacomán, por "Hidalgo, la historia jamás contada"

- Mejor sonido
Pablo Lach, Miguel Hernández, Miguel Molina y Santiago Núñez, por "El infierno"

- Mejor diseño de arte
Salvador Parra y María José Pizarro, por "El infierno"

- Mejor vestuario
Gilda Navarro y Adolfo Ramírez, por "El atentado"

- Mejor maquillaje
Roberto Ortiz, por "El infierno"

- Mejores efectos visuales
Alejandro Valle, por "Las buenas hierbas"

- Mejores efectos especiales
Alejandro Vázquez, por "El infierno"

- Mejor ópera prima
"Año bisiesto", de Michael Rowe

- Mejor largometraje documental
"La historia en la mirada", de José Ramón Mikelajáuregui

- Mejor cortometraje de ficción
"El último canto del pájaro Cú", de Alonso Ruiz Palacios

- Mejor cortometraje documental
"Río Lerma", de Esteban Arrangoiz

- Mejor cortometraje animado
"Luna", de Raúl Cárdenas y Rafael Cárdenas

- Mejor película iberoamericana
"José Martí: el ojo del canario", de Fernando Pérez (Cuba/España)
"También la lluvia", de Iciar Bollaín (España)

- Ariel de Oro
Ana Ofelia Murguía

- Ariel de Oro
Jorge Fons

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El tándem argentino Cohn-Duprat prepara "Ciudadano ilustre"

Los argentinos Mariano Cohn y Gastón Duprat, directores de la premiada "El hombre de al lado" y la recién estrenada "Querida, voy a comprar cigarrillos y vuelvo", siguen con su ritmo imparable y ya tienen nuevo film en preparación: "Ciudadano ilustre", que se adelanta como la mayor producción de su carrera.

"Ciudadano ilustre" narrará la historia de un escritor de fama que regresa al país para recibir una distinción de relevancia, descubriendo que la gente reacciona de forma violenta hacia él.

La película, informa Variety, será producida a través de Televisión Abierta junto a Aleph Media y otros fondos, con la idea de tenerla lista para su lanzamiento en agosto de 2012. El presupuesto de este proyecto es de 1,7 millones de dólares, el mayor de la filmografía de los directores, que casi duplica el costo de sus dos films más recientes.

Con este nuevo largo buscarán afianzar el estilo que les caracteriza, resultante de la fusión de historias de calidad con características populares. Tal como explicó Duprat en entrevista con LatAm Cinema: "Siempre creímos en la posibilidad de hacer un cine popular y de calidad, conjunción que afortunadamente se dio en 'El hombre de al lado'. Uno solo de los atributos -calidad o popularidad- no nos sirve, buscamos la combinación de ambos. Los artistas que más nos gustan tienen ese doble atributo: Charly García, Tarantino, Alberto Laiseca, George Lucas, Antonio Gasalla".

Cohn-Duprat, creadores de aquella Televisión Abierta que permitía a seres anónimos hacer uso de su pantalla, debutaron en cine con la inédita "Enciclopedia" pero no fue hasta "El artista", de 2008, que comenzaron a desarrollar una filmografía que se va tornando prolífica, a razón de una película por año.

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Crónica del Festival de Cine de Autor de Barcelona 2011 - Palmarés y Conclusiones

Este es el último mensaje que escribimos sobre el recientemente finalizado Festival de Cine de Autor de Barcelona, en el cual queremos comentar el palmarés y también comentar nuestras conclusiones sobre el festival.

Primero pasamos a comentar como han quedado los premios. El Premio del Público ha sido para la película norteamericana Meek’s Cutoff de la directora Kelly Reichardt y que esta protagonizada por Michelle Williams, Bruce Greenwood, Paul Dano y Will Patton. Aquí os dejamos como han quedado las votaciones:

1. Meek’s Cutoff – 3,9669421
2. Pequeñas mentiras sin importancia – 3,8965517
3. María y yo – 3,8695652
4. El hombre de al lado – 3,745567376
5. Bibliothèque Pascal – 3,6968

Los que habéis seguido nuestras crónicas ya os imaginareis que no estamos nada de acuerdo con este premio, respetamos claro la opinión de la gente, pero creemos que había mejores propuestas. Pero bueno, esta claro que a la gente le ha gustado y hay que aceptarlo así, por ejemplo a nuestro buen colega David Amorós le encantó, como se puede ver en la crítica de su excelente blog lost highway blog, de recomendadísima lectura. Quizás somos nosotros los raros, pero bueno así son las cosas.

Más de acuerdo estamos con el segundo lugar, donde aparece la excelente Pequeñas mentiras sin importancia y también destacar el cuarto lugar de la única película latina de la lista, la divertida El hombre de al lado.

Ahora nuestras valoraciones personales:

Muy buena ha sido la retrospectiva de este año, con el canadiense Guy Maddin, del que hemos podido ver dos obras, la visualmente fascinante Dracula: Pages From a Virgin's Diary y la notable The Saddest Music in the World.

Del resto de películas aquí os dejamos las que para nuestro gusto han sido las mejores y las peores del Festival:

Las mejores películas: Pequeñas mentiras sin importancia de Guillame Canet, Outrage de Takeshi Kitano, El hombre de al lado de Mariano Cohn y Gastón Duprat, Apart Togheter de Wang Quan’an, Cold Weather de Aaron Katz, Cold Fish de Sion Sono y algunas cosas del Post Mortem de Pablo Larraín y Bad Family Aleksi Salmenperä y de la primera parte de El padre de mis hijos de Mia Hansen-Love.

Las peores películas: Meek’s Cutoff de Kelly Reichardt, Caracremada de Lluís Galter, Jo for Jonathan de Maxime Giroux y Essential Killing de Jerzy Skolimowski.

División de opiniones entre los colaboradores ha habido con Okie’s Movie de Hong Sang-soo, ya que a John le ha gustado bastante pero a mi no me ha convencido nada.

Destacar la gran afluencia de público en la mayoría de las películas y también el recinto escogido, el gran Aribau Club. En definitiva y ya para acabar, podemos valorar este primer D’A 2011 con buena nota, con buenas y no tan buenas propuestas, pero con la oportunidad de poder ver algunas películas que nunca llegarán a nuestras salas, así que bravo por la organización y por el resultado final y… nos vemos el año próximo!!!!

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Crónica del Festival de Cine de Autor de Barcelona 2011 - Día 10

Bueno, pues lastimosamente ayer llegamos al fin del Festival de Cine de Autor de Barcelona. Nos despedimos con las 2 últimas películas, la que clausuraba y el documental de Herzog.

El extraño caso de Angélica del centenario Manoel de Oliveira, fue la elegida para clausurar el pasado sábado el Festival, pero nosotros no pudimos verla hasta ayer.

Penúltimo largometraje del incombustible Manoel de Oliveira, que esta vez se divierte con una película de fantasmas en la que un fotógrafo emprende un viaje alucinado después de retratar a la hija muerta de los propietarios de un hotel. Sin caer en la nostalgia del que se sabe cercano a la visita de la parca, el director portugués nos invita a un viaje mágico en el que la realidad y la ficción se funden para darnos a entender que la vida y la muerte forman parte de un mismo continuo. Contada con la sonrisa perpetua en los labios, la aventura de Isaac mantiene el encanto y la frescura del cine de la época silente, pero no su característica ingenuidad: de Oliveira, como el mismísimo Diablo, sabe más por viejo que por diablo y, cómo él, se divierte, manejando como un titiritero al desdichado fotógrafo.

La penúltima película del incombustible Oliveira llegaba al Festival con el honor de ser la película que lo clausuraría, pero por desgracia creo que fue elegida mas por el nombre de su director que por su virtudes cinematográficas. No es que la película sea mala, no lo es ni mucho menos, pero si en vez de por Oliveira estuviera firmada por un director novel no se le habría dado tanta trascendencia, pero claro, supongo que Don Manoel se lo ha ganado con su larga carrera. Dejando este tema a parte, El extraño caso de Angélica es un cuento de fantasmas, pero tratado de forma muy torpe, con escenas demasiado repetitivas y sin gracia. Pilar Lopez de Ayala, aunque nos la vendan como protagonista es bastante secundaria, incluso no tiene ninguna frase. En la parte positiva me gustaría remarcar algo que me resulto curioso y que me gusto bastante. Durante toda la película te da la sensación de que esta ambientada en los años 50, por la ropa de los personajes, por la cámara de fotos, por muchas cosas, pero claro, después ves que al protagonista lo llevan a la casa donde tiene que retratar a la muerta y ves que lo llevan en un coche moderno, por una ciudad moderna. Esa ambigüedad temporal con la que juega Oliveira me parece lo mas interesante de la película.


El segundo visionado fue un documental, el nueva trabajo de Werner Herzog, Cave of Forgotten Dreams.

Al principio del filme la omnipresente voz de Herzog narra cómo se ha gestado la idea de la película y nos sitúa en contexto: en 1994 unos espeleólogos descubrieron en la cueva de Chauvet las pinturas rupestres más antiguas conocidas hasta la fecha, 30.000 años ocultas bajo la roca. Durante quince años científicos especializados han analizado hasta el más diminuto recoveco de la cueva, cuyo acceso estuvo cerrado a cualquier persona no autorizada hasta que en el año 2009 el Ministerio de Cultura encarga a Werner Herzog inmortalizar el interior de la gruta usando la tecnología 3D.

Con un 3D del todo innecesario y poco aprovechado (incluso creo que hecho en postproducción) el nuevo documental de Werner Herzog era la última sesión que teníamos del Festival. Y la despedida sin ser apoteósica si que se puede valorar como positiva. El documental tiene el típico humor que Herzog le da en sus narraciones, con momento divertidos que se salen del montón de datos que nos invaden. Aunque como he dicho antes, el 3D no lo veo aprovechado, ya que la mayoría de secuencias son de las paredes y como es lógico allí no hay 3D que valga, solo luce en algún plano aéreo y en paisajes, pero creo que en este caso lo de las tres dimensiones ha sido por un tema mas comercial que artístico (bueno, como casi siempre). Eso si, el final, aunque un poco alargado, es precioso, ya que pensábamos que no veríamos la pared de los leones y finalmente la vemos a todo detalle. En definitiva, interesante documental y buena forma de acabar el certamen.


Y eso ha sido todo por este año, pero no nos despedimos del todo, ya que esta noche pondremos el palmarés y nuestras conclusiones, así que os esperamos!!

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La crítica de Gonzalo: Gatos viejos

por Gonzalo Restrepo Sánchez

En contra de todo lo que se diga y escriba, me pareció este film (rodado muy aprisa) de Pedro Peirano y Sebastián Silva, bastante flojo, a pesar de su tema y de las destacadas actuaciones. Faltó ese algo que todo film debe poseer: un gramo de poesía. Un drama protagonizado por Bélgica Castro, Claudia Celedón, Catalina Saavedra y Alejandro Sieveking, quienes no obstante, se congratulan para regalarnos diálogos cortantes.

La tragedia de hacerse mayor, el alzheimer y con la soledad que provoca el alejamiento de aquellos a quienes más se quiere, concluye en la certeza de que nadie está preparado para afrontar ese ciclo vital. El término “viejo” hasta se nos antoja indebido cuando se trata de aplicárselo a seres humanos, a nuestros seres queridos, a nuestros padres.

Es inapropiado hasta en su supuesta acepción más cariñosa, si la hubiere, porque nada se hace viejo en el alma y, mucho menos, en el sentimiento que esos, nuestros mayores adultos, saben conservar hasta el final.

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Crónica del Festival de Cine de Autor de Barcelona 2011 - Día 9

Penúltimo día de Festival, esto ya se acaba, pero de momento seguimos disfrutando de buen cine, hoy con dos buenas películas, una de Guy Maddin y la otra la tercera latina.

The Saddest Music in the World es el título de la primera película que hemos visto hoy, y que forma parte de la retrospectiva del director canadiense Guy Maddin.

Para estimular el consumo de cerveza, la Baronesa de la ídem, Lady Helen Port-Huntley (una estupenda Isabella Rosselllini), organiza un concurso donde se escogerá la canción más triste del mundo, sin imaginar que se reencontrará con sus antiguos amantes, Fyodor y Chester Kent, padre e hijo respectivamente, protagonistas del accidente que la dejó sin piernas. Ambos, junto al otro hijo pródigo de la familia, tratarán de hacerse con los favores de la Baronesa y con el jugoso premio.

Leo en la web del festival que esta película ostenta el récord de planos por segundo de la filmografía de Maddin. Curiosidades aparte, The Saddest Music in the World es una película brillante, con un apartado visual maravilloso, recreando ser una película de los años 20 pero con artificios técnicos muy modernos. Curioso que los recuerdos sean en color y la realidad en blanco y negro. En el apartado actoral hay que destacar el conjunto, están todos esplendidos, pero la Rossellini se come la pantalla. Reconozco que no había visto nada de Maddin antes del festival y que tampoco estaba entre mis prioridades, pero después de ver dos de sus películas no tardaré en ver más. Por último me gustaría, sin animo de repetirme ni hacerme cansino, pero que tras ver la película de Maddin me lo pone a huevo, decir que este señor demuestra que ser “autor” y “cineasta independiente” no esta reñido con contar una historia entretenida, no hace falta hacer la misma película de largos planos contemplativos para ser considerado un buen autor.


La segunda de la tarde ha sido la tercera y última película latina que se ha proyectado en el Festival, la película del chileno Pablo Larraín, Post Mortem.

Ambientada en uno de los periodos más oscuros y sangrientos de Chile - el golpe militar de 1973 -, Larraín nos cuenta la historia de una pareja aparentemente insignificante y sin encanto. El protagonista es un anodino empleado de la morgue que compatibiliza el recuento de las riadas de muertos en las horas posteriores al golpe del 11 de septiembre -incluyendo el del presidente derrocado- con la obsesión amorosa por su vecina, una bailarina que representa un amor imposible e idealizado.

Después de una flojísima, para mi gusto, anterior película, Tony Manero, Larraín nos trae una interesante propuesta, que a pesar de tener los famosos planos alargados, en esta ocasión el director consigue que dentro de ellos pasen cosas y ayuda a avanzar la trama. Destacar la interpretación de la pareja protagonista, sobre todo de un gran Alfredo Castro. También remarcar que en este caso, aunque no hay una historia muy definida que contar, más bien es una película basada en un contexto histórico, hay varias situaciones y conversaciones que hacen de ella una película ligera y bien llevadera.


Y ya esta, mañana llega la última jornada, el día final, y aunque estamos disfrutando mucho de este Festival, la verdad es que se agradecerá un poco el descanso… lastima que no fuera solo por un par de días y luego continuara… que le vamos a hacer.

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Crónica del Festival de Cine de Autor de Barcelona 2011 - Día 8

Ayer vivimos una nueva jornada del Festival, con dos películas vistas. John y yo coincidimos para ver la de Meek’s Cutoff, mientras que ví solo la de Outrage, ya que él la había visto en Sitges el año pasado. Remarcar que el comentario de Meek’s Cutoff es de John y el de Outrage es mio.

Empezamos la doble sesión viendo la película estadounidense Meek’s Cutoff, dirigida por Kelly Reichardt y protagonizada por actores del calibre de Michelle Williams, Bruce Greenwood, Paul Dano o Will Patton.

La acción se sitúa en el año 1845, cuando el camino de Oregón empezaba a ser recorrido por miles de estadounidenses que buscaban establecerse en el Lejano Oeste. Una caravana formada por tres familias decide contratar al montañero Stephen Meek para que les guíe a través del abrupto paisaje. Confiando en su experiencia, Meek decide salirse del camino e ir por un atajo que dice conocer perfectamente, pero terminan perdiéndose en mitad del desierto. El hambre, la sed y la desconfianza hacia los compañeros de viaje hacen que las tres familias se pongan cada vez más nerviosas, sobre todo cuando un indio errante aparece y se acerca a la caravana.

Una aproximación diferente al cine del oeste, desde la perspectiva femenina, así se ha vendido la nueva película de Kelly Reichardt. Pero a la hora de la verdad esa diferencia es más bien un reclamo para intentar vender la película como innovadora o rompe esquemas, ya que ni la narración ni la ambientación son algo nuevo. Desde luego al fin y al cabo esa es la sensación que me deja, ya que si bien la puesta en escena es más que correcta, la directora se recrea en alargar escenas hasta el límite, uno de los grandes fallos de este tipo de cine, recrear los detalles al milímetro hasta en las escenas más superfluas, y eso que sabe poner la cámara, pero no cortar. Lo positivo de la película, además de lo ya comentado, son esos parajes desolados y de una gran belleza o las actuaciones, comedidas y correctas en su conjunto, con quizás un tirón de orejas a Paul Dano, un actor sobrevalorado que ya me resultó flojo en Pozos de ambición, otra fallida, para mi, aproximación al mundo del lejano oeste desde una perspectiva autoral.


La segunda y última película del día fue Outrage, la vuelta al cine yakuza del gran Takeshi Kitano.

El film cuenta la historia de varios clanes mafiosos que se disputan el poder en el mundo de los Yakuza, argumento que sirve al autor para crear nuevas maneras de reflexionar sobre la violencia y representarla. En el film, Otomo es un Yakuza que lleva muchos años en la profesión y ha visto la ascensión de muchos rivales, desde los inicios marcados por la violencia callejera, los tatoos y la ostentación al control de las finanzas y la influencia de carácter político. Sin embargo, a la par que va escalando hacia la cima, el reguero de cadáveres y amputaciones crece de forma exponencial.

La vuelta de Kitano al cine yakuza se salda con buena nota. Entretenida, disparatada en algunos momentos, radical, con buenas dosis de violencia y todo ello rodado con la personalidad propia del cine de Takeshi. Quizás solo le veo un lunar, y es que toda la parte final la historia deja de importar y solo se basa en matar y matar, casi un plan videojuego. La verdad es que el guión no sería lo más trabajado de la película, pero eso importa poco cuando lo que busca Kitano es hacer una película más radical y vibrante, y realmente lo consigue. Muy recomendable y esperemos que algún día la película pueda llegar a nuestra cartelera.

Si queréis leer una crítica mucho mas detallada (y entusiasta) de Outrage, pasaros por nuestro otro blog, Asia Cine, y de la mano de John podréis disfrutar de una buena crítica.

Y eso es todo lo que vimos ayer. Hoy me espera Guy Maddin y la tercer película latina del Festival, la chilena Post Mortem. Nos leemos!!!

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Estreno: Rompecabezas

Hoy viernes, en la recta final del Festival de Cine de Autor de Barcelona, nos llego un nuevo estreno latino, la película argentina Rompecabezas, dirigida por Natalia Smirnoff y protagonizada por María Onetto, Gabriel Goity y Arturo Goetz.

María del Carmen, un ama de casa de 50 años que vive en Turdera, un suburbio bonaerense, descubre que tiene un don: armar rompecabezas. Ya metida de lleno en esta actividad, conoce a Roberto, un millonario de 60 años que aspira a participar en el torneo mundial de rompecabezas de Alemania. Juntos logran formar una pareja imbatible en este juego.

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Crónica del Festival de Cine de Autor de Barcelona 2011 - Día 7

Por fin ha llegado la hora de ver dos de las películas latinoamericanas presentes en el Festival. Después de 6 días, ya hemos visto las dos películas argentinas y los integrantes de Cine Latino nos las hemos repartido. Yo he visto Por tu culpa mientras que John ha visto El hombre de al lado.

La primera fue Por tu culpa, de la directora Anahí Berneri, en el que es su tercer largometraje.

Julieta se acaba de separar con dos hijos a su cargo. Sus días son como los de muchas mujeres a las que conocemos: un equilibrio inestable entre su trabajo, su rol de madre y su vida personal. Un equilibrio que se puede romper en cualquier momento, por ejemplo, cuando uno de sus hijos se cae y se hace daño mientras juega. Cuando decide llevarlo al hospital para que le echen un vistazo empezará una verdadera pesadilla para Julieta.

Película rodada casi en tiempo real, en la que vemos una noche en la vida de la protagonista, una convincente Erica Rivas, que tras ver como su hijo se cae de la cama, lo llevará al hospital donde tendrá mas problemas de lo esperado. Interesante base argumental, pero que al final te deja con un sabor de boca amargo ya que te queda la sensación de que quizás la historia no daba para un largometraje, o quizás no hay suficientes puntos críticos en el guión como para alargar lo que podría haber sido un buen cortometraje. Largos planos en tiempo real que poco aportan y que enfrían un poco la narración. En la parte positiva situamos a la protagonista, una muy interesante Erica Rivas, que construye un papel complejo del que sale con buena nota. El final te deja bastante frío y lo veo demasiado precipitado y poco acertado. Eso si, la película hace meditar y piensas que si es tan fácil acusar a alguien de maltrato con tan pocas pruebas es que la cosa en este mundo esta muy mal.

La segunda película argentina del día ha sido El hombre de al lado de Mariano Cohn y Gastón Duprat.

Enfocada como una comedia con tintes de drama o un drama con tintes de comedia, El hombre de al lado nos presenta a una familia de clase alta, residiendo en la Casa Curutchet, la única obra de Le Corbusier en América Latina. Todo parece transcurrir de manera notable cuando el vecino de enfrente comienza a tirar su pared para construir una ventana que deje entrar el sol. A partir de ese momento comienzan los conflictos tanto con él como entre ellos. Un matrimonio que no es tan feliz como aparenta, una hija que prácticamente no tiene relación con su padre, demostrando que su idílica vida no es tal, y que bajo esa fachada de lujo y comodidad se esconden unas vidas no tan felices.

Sin duda, el gran aliciente de la película es el duelo interpretativo entre Rafael Spregelburd y Daniel Aráoz, en los papeles de Leonardo, diseñador de gran éxito y con una posición social muy eleveada, y de Victor, el vecino, de clase humilde y vulgar, que desencadena todo el embrollo, respectivamente. Este último, es sin duda, un caramelo, un personaje que por si solo destila carisma y simpatía, ya que aún pudiendo parecer en determinados momentos el malo, entre comillas, de la película, el estilo de vida y sobre todo la actitud de Leonardo instan a identificarse más con Victor. Este es precisamente uno de los aciertos de la película, no presentarnos unos estereotipos definidos, sino jugar con los personajes. Como muestra la escena en la que espían a Victor desde su ventana, justo cuando ellos se quejan de que él podría espiarles en todo momento. También habría que destacar que el guión en si está pensado para burlarse, en cierta medida, de una clase burguesa más pendiente de las etiquetas y de las apariencias que en lo realmente importante, y que es la persona en si misma, más allá de convencionalismos, y que se demuestra en ese desolador final. Una muy buena propuesta que, afortunadamente, tendrá dentro de unos meses estreno en nuestro país.

Y eso a sido todo en la jornada latina. Mañana dos películas más y el viernes la tercera y última latinoamericano, la chilena Post Mortem. Hasta mañana!!!

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Crónica del Festival de Cine de Autor de Barcelona 2011 - Día 6

Nuevo día superado (y disfrutado) de este interesante Festival de Cine de Autor al que estamos asistiendo y del cual os hacemos llegar crónicas los mas detalladas posibles. Ayer nos vimos dos películas más, antes del día de hoy en el que porfin podremos ver las primeras películas latinas.

La primera de la tarde fue Le père de mes enfants, que este mismo viernes se estrenará en las salas de nuestro país. La película esta dirigida por Mia Hansen-Love, actual novia del reconocido director francés Olivier Assayas.

Grégoire Canvel lo ha dado todo para construir su productora de cine independiente, desde donde apoya el talento de nuevos directores y fomenta su ideal de cine honesto y comprometido, un trabajo que se ha convertido en el centro de su vida... Excepto por los fines de semana que pasa en el campo, donde disfruta de momentos tan preciosos como frágiles, en compañía de su mujer y sus tres hijas, que sienten adoración por un padre tan ausente como cariñoso. Mia Hansen-Løve retrata con delicada intimidad la vida de un emprendedor carismático y aparentemente invencible, pero también su extrema debilidad cuando aquello por lo que tanto ha luchado empieza a venirse abajo.

Interesantes película con dos partes muy diferenciadas, una, la que encuentro más interesante, donde se nos muestra el día a día del protagonista, un productor de cine independiente que tiene que compaginar el trabajo en su propia productora, la cual se hunde sin esperanza de sobrevivir, y su familia, con sus enamorada esposa y sus tres hijas, a las cuales adora. En esta primera parte disfrutamos mucho viendo como funciona el mundo de la producción desde una pequeña productora, con sus complicados planes para conseguir financiación, con el trato con directores conflictivos o problemas con los bancos. En todo esta parte destaca el actor Louis-Do de Lencquesaing, el cual crea un personaje con diferentes matices y cargado de mucho carisma. Tras toda esta primera parte hay un giro de guión, en el cual la historia se pasa al melodrama puro y duro. Aquí pierde algo de interés, deja de tocar como eje principal el cine, dedicando mucho mas esfuerzo al drama de los personajes. En esta parte pierde mucha frescura y se vuelve más tópica, pero sin llegar a molestar. La sensación final es que estamos ante una buena película, pero que podría haber sido mucho mejor.


La segunda del día fue la finlandesa Bad Family, de Alexi Salmenperä.

Un padre super protector que tiene un cargo social importante; unos hijos educados en el post-divorcio; una nueva esposa que aparece para suplantar a otra; la sospecha de incesto; una ex-mujer que mantiene la custodia de la hija... Una muerte y un reencuentro al cabo de los años. Y el lío está servido.

Divertida película que nos llega desde el país nórdico. Llena de momentos divertidos, situaciones surrealistas y diálogos ingeniosos, Bad Family es una refrescante comedia con la que pasar un buen rato. Eso si, como en (casi) todas las películas tiene un pero, y en este caso este pero es que la película es monotemática, solo tiene una línea argumental, la del padre preocupado por el incesto entre sus hijos. Es una lástima que el director y guionista no haya profundizado más en la relación entre los dos hermanos, entre el padre y el abuelo, entre la hija y el padre. Toda le película se basa en el protagonista y su obsesión con lo que puedan estar haciendo sus hijos. Con esto no digo que la película acabe desilusionando, pero si creo que podría haber sido mucho mas hilarante si hubieran trabajado mucho más algunas subtramas.


Esto es todo lo que pudimos disfrutar ayer, hoy las dos primeras (de un total de tres) películas latinas del Festival, así que nos os perdáis la próxima crónica!!

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Paulo Coelho anunció que su biopic se estrenará en 2012

El escritor brasileiro Paulo Coelho anunció que este año comenzará el rodaje de la película que recogerá su vida, que tendrá su estreno en 2012. El autor del best-seller "El alquimista" especificó que tanto el realizador como los actores de esta producción serán de Brasil, luego de descartarse la posibilidad de que Clint Eastwood dirigiera la biopic.

Coelho y la guionista del proyecto, Carolina Kotscho, se reunieron con la prensa para adelantar detalles sobre la cinta que recorrerá la vida del escritor, desde sus "años locos" como poeta, pasando por su etapa como compositor del icono del rock brasileiro Raúl Seixas, hasta convertirse en un autor popular que conoció el éxito internacional.

El guión de Kotscho fue aprobado el pasado jueves por Coelho, quien en diálogo con la edición digital de la revista Veja, compartió su sensación a la hora de leer su vida: “No llegué a llorar, propiamente, pero se me hizo un nudo en la garganta en varios momentos. Sobre todo porque me sorprendía con aquel joven tan determinado que era”. Destacó además el desafío que supuso para la guionista el poder "condensar mi vida, que ha sido intensamente vivida, en una hora y 46 minutos".

Kotscho, quien tiene en su haber la escritura del súper éxito "2 filhos de Francisco", trabajó con un guión que originalmente tenía 509 páginas, que terminaron en las 116 hojas finales.

Se ha adelantado que tanto Coelho como su mujer Cristina Oiticica tendrán una pequeña participación como actores.

(Fuente)

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Crónica del Festival de Cine de Autor de Barcelona 2011 - Día 5

Hoy ha sido una jornada relámpago, con solo una película. Tras unos días maratonianos (y los que quedan) era una buena oportunidad para relajarse un poco.

La elegida ha sido la película española Caracremada, dirigida por el catalán Lluís Galter, en la que es su ópera prima.

“Caracremada”, apodo utilizado por la guardia civil para referirse a Ramon Vila Capdevila, reflexiona sobre la resistencia libertaria al régimen de Franco a través del que fue su último guerrillero en activo. Cuando en el año 1951 la CNT decretó la retirada de sus hombres, Ramon Vila permaneció en los bosques del interior de Cataluña para reemprender en solitario su lucha. Ramon, último reducto de la vieja resistencia fundacional, se convierte en una sombra que es pura determinación, rechazo y lucidez obsesiva, encarnación de la lucha inefable.

Iba con mucho miedo a ver esta película, lo reconozco, por que a mi el cine contemplativo (¿a que esperan a nombrarlo nuevo género de cine?) como que no me va mucho, pero quería darle una oportunidad, quizás por ser de aquí o por tener una sinopsis cuanto menos interesante. Pero que queréis que os diga, a mi todas estas películas contemplativas me parecen lo mismo, todas tienen la misma formula, planos innecesariamente alargados, primeros planos descriptivos de cosas que no aportan nada a la historia, mucho juego con el sonido ambiental y pocas conversaciones, que cuanto mas intrascendentes sean mejor. Todo esto le da un toque de “Autor”. Y eso estaba muy bien en las 2500 primeras películas de este subgénero, pero ahora es una recurso fácil para poder vender la película rápidamente en los circuitos independientes. Tras unos pocos minutos en que la película parecía que no iba a ser tan horrible llegó la monotonía y repetición de formula: paisaje general, primer plano detalle, acción del protagonista en plano fijo durante un par de minutos, fundido en negro y volver a empezar… paisaje general, primer plano detalle… Esta formula la usan ya un largo número de directores, desde Apichatpong Weerasethakul, Carlos Reygadas, Lisandro Alonso, Hou Hsiao-Hsien, Amat Escalante, Javier Rosales, Albert Serra, Corneliu Porumboiu, Javier Rebollo, y un largo etcétera, así que ya ni siquiera es novedoso, pero claro han visto que esta formula le encanta a la crítica “especializada” (lo que hace querer ir contracorriente, ains) así que siguen con el chollo. Pero bueno, si alguién se siente molesto con este comentario espero que no se lo tome a mal, es solo mi personal e intransferible opinión, respeto muchísimo a quién le guste, pero lo siento, si esto es buen cine yo me bajo. Eso si, hay una cosa que puedo decir a su favor, no es de las peores contemplativas que he visto.

Y después de esto a descansar que mañana nos espera una nueva doble sesión. Hasta mañana!!!!

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Crónica del Festival de Cine de Autor de Barcelona 2011 - Día 4

Pues hoy hemos tachado un nuevo día del Festival, el 4º, y bueno, como el resto de días nos hemos encontrado con un poco de todo. Esta vez dos de nosotros nos hemos dividido para poder ver mas cosas, John se ha quedado en una doble sesión en el Aribau Club, mientras que yo he asistido a la versión de Drácula de Guy Maddin en la Filmoteca.

La primera película del día ha sido la canadiense Jo for Jonathan de Maxime Giroux.

Vivir a la sombra del hermano mayor. Puede ser bueno o puede ser malo, pero depende de las influencias que recibamos por el camino: en medio del mundo de delincuencia que te rodea y condiciona, puedes interesarte por las chicas, los porros o por explorar las fronteras con las drogas. O te puede dar por las carreras ilegales de coches. Thomas sufrirá un accidente y su hermano pequeño Jo deberá seguir sus pasos, crecer y convertirse en Jonathan. Esta no es una historia de triunfos ni tampoco sobre el manido sueño norteamericano: sin salir de los suburbios, la historia vital de los personajes dará un giro que cambiará su manera de enfrentarse a la vida a partir de ese momento. Giroux filma la historia con este punto granulado tan arrabalero que, aun quedándonos un tanto lejano, entendemos perfectamente: en el fondo, solo es cuestión de adaptar la miseria y la alienación a nuestros propios esquemas. Una historia de extrarradio, con un extraordinario sentido de la fealdad, que no tiene piedad con sus protagonistas, pero que tampoco les castiga con crueldad, y donde lo último que esperamos encontrar es la redención.

Tedio, esa es la palabra que mejor puede describir a J For Jonathan. Una historia en la que el interés se limita a mirar que hora es y cuando se puede dejar de soportar esa agonía. Puede parecer dura esta reseña, pero que una película que no llega a los 85 minutos pueda aburrir de esa forma es digno de reseñar sin género de dudas. Maxime Giroux en su segunda película demuestra una máxima, haciendo un juego de palabras con su nombre, y esa es la de tener un protagonista sin expresión, cuestión esta que comienza a cansar en cierto tipo de películas, confundiendo frialdad emotiva con frialdad interpretativa. En fin, sin duda, una de las peores películas que hemos tenido la oportunidad de ver en el festival.


Afortunadamente la otra sesión del Aribau Club, nos daba de nuevo un soplo de aire fresco con la cinta independiente estadounidense Cold Weather, dirigida por Aaron Katz.

Doug vuelve a Portland después de dejar los estudios de ciencias forenses para terminar trabajando como eventual. Su vida es simple y transcurre entre su adoración por las novelas de Sherlock Holmes y los tiempos muertos, sin demasiado que hacer. Hasta que reaparece su ex novia para después desaparecer en extrañas circunstancias. Contada como si de una clásica historia de detectives en clave novela pulp se tratara, Cold Weather es también una historia de colegas contemporánea, una “comedia de diálogos”. Aaron Katz cruza las constantes de distintos géneros en una película muy personal y elaborada (sobre todo teniendo en cuenta las características del movimiento mumblecore al que ha sido inscrito). Filmada con la novísima cámara RED, la película se convierte en una rara avis del nuevo cine norteamericano. Un ejercicio sorprendente y con voluntad autoral, una película fresca y desenfadada que descolocará a más de uno.

Rodada con una gran sobriedad, lo cual no es ni mucho menos malo, Cold Weather comienza como un drama familiar hasta desarrollarse como una historia de detectives, pero protagonizada por gente corriente, no por policías ultramodernos. Aaron Katz, apoyado por unos actores en estado de gracia, sobre todo Cris Lankenau y Trieste Kelly Dunn, que interpretan a esa adorable pareja de hermanos, con incluso hilarantes escenas juntos que descargan de toda trascendentalidad a la propuesta, demostrando que no hay que ser grandilocuente para contar una buena e interesante propuesta. Otro de los grandes aciertos, conectado con el anterior, es mostrarnos unos personajes humanos y mundanos con los que uno se puede identificar fácilmente. Al final una gran sonrisa se dibuja en nuestra cara, pues si bien la película no es perfecta ni mucho menos, nos hace tener gran esperanza en el futuro.


Y por último, en la Filmoteca, hemos podido ver una de las película que forman parte de la retrospectiva del director canadiense Guy Maddin, su obra mas conocida, ganadora del premio a la mejor película en Sitges 2002, Dracula: Pages from a virgin’s diary.

En Londres están ocurriendo unos sucesos muy extraños. Lucy Westenra, una dama de la alta sociedad, padece una enfermedad que sólo el doctor Van Helsing puede curar: ha sido mordida por un vampiro. Éste es el comienzo de la lucha entre Van Helsing, los pretendientes de Lucy y el seductor vampiro extranjero.

Lo primero que se te pasa por la cabeza al finalizar esta original propuesta del Drácula de Bram Stoker es “visualmente fascinante”. Realmente es una película de bellísima factura técnica, con una hermosa fotografía, montaje o decoración, también tiene una buena banda sonora y unos resultones interpretes. El único inconveniente, si se le puede llamar así, y que es lo que hará que a cada persona le guste más o menos la propuesta es ¿cuánto te gusta el ballet? o ¿cuánto eres capaz de aguantarlo en pantalla?, porque no nos engañemos, aunque visualmente la película sea extraordinaria, a quien no le interese lo mas mínimo el ballet, difícilmente va a poder disfrutarla. Como en mi caso, ni me gusta ni me disgusta, pues la he encontrado interesante. Lo mejor es que te deja buen sabor de boca y con ganas de ver mas Maddin.


Y por hoy esto es todo, mañana día mucho mas relajado, con solo una película, pero igualmente aquí estaremos para contároslo, así que os esperamos, no nos falléis ;-).

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Crónica del Festival de Cine de Autor de Barcelona 2011 - Día 3

Bueno, pues ya volvemos a estar aquí. El tercer día de Festival se ha saldado con dos películas, y hoy por fin podemos decir que hemos visto una gran película, la francesa Pequeñas mentiras sin importancia. Pero por desgracia también hemos visto la peor del Festival, para nuestro gusto, hasta el momento, Essental Killing.

A las cinco teníamos la primera sesión del día, la película francesa Pequeñas mentiras sin importancia, dirigida por la estrella del país galo Guillaume Canet, que fue la que inauguró el Festival el pasado viernes.

Todos los años Max, el propietario de un restaurante de éxito, y Véro, su ecológica mujer, invitan a un grupo de amigos a su bella casa de la playa para celebrar el cumpleaños de Antoine y el comienzo de sus vacaciones. Pero este año justo cuando iban a abandonar París su amigo Ludo sufre un serio accidente…

Excelente comedia dramática dirigida por Canet, con un reparto espectacular encabezado por los maravillosos François Cluzet, Marion Cotillard, Benoît Magimel, Gilles Lellouche o Jean Dujardin. Canet presenta una comedia sobre un grupo de amigos que cada año veranean en la costa francesa en la casa de uno de ellos, pero esta vez hay una baja muy importante ya que uno de los integrantes del grupo ha tenido un grave accidente en moto y no puede ir, aún así el resto de amigos deciden irse de vacaciones. Dos horas y media de duración dan respeto, antes de verla daba un poco de miedo pensar que nos podríamos encontrar, pero la verdad es que estos 154 minutos pasan como un suspiro, como si fueran 90, y todo gracias a unas situaciones divertidas, unos diálogos ingeniosos y unos actores en estado de gracia. Y lo mejor es que a pesar de ser una comedia, cuando toca los temas mas dramáticos la película no se resiente y forman un todo de lo mas natural. Empezaba genial el día.


Por desgracia la segunda película de la tarde nos transmitía el efecto contrario, el sopor. No enfrentábamos a Essential Killing, dirigida por el polaco Jerzy Skolimovski.

Un soldado afgano (Vincent Gallo) es hecho prisionero por las tropas norteamericanas, acusado de haber matado a tres soldados. Posteriormente es trasladado a un país del este de Europa, para ser interrogado. Pero durante el viaje consigue escapar, e inicia así una dramática carrera por su supervivencia en medio de la naturaleza.

Lo primero que nos sorprende es ver que con este papel, Vincent Gallo se llevo la Copa Volpi al mejor actor en Venecia 2010. Por favor, si está de todo menos creíble, tiene la misma cara de palo toda la película y en ningún momento te lo crees en su personaje. Sin ninguna duda, uno de los actores más sobrevalorados por la crítica actual. Pero dejando esto de lado, es que la película tampoco cuenta nada. Tras un comienzo espectacularmente rodado (lo único destacable de la película) un afgano capturado por el ejercito de los Estados Unidos consigue escapar a los bosques helados de un país europeo indefinido tras un accidente con el furgón que trasladaba a los prisioneros. Pues una vez se escapa se acaba la película, el resto minutos y minutos de las mas absoluta nada, solo corre por la nieve, luego anda, se hace unas heridas y mata a un par de hombres, pero todo esto sin historia de fondo, solo vemos lo que va haciendo… pero es que eso no es ni interesante. Y encima el director pierde la lógica ya que por ejemplo, en una escena de las pocas que parecía iban a ser interesantes, un grupo de perros salvajes se cruzan con el protagonistas, tras intentar huir de ellos finalmente cae en la nieve y en ese momento no sabes que harán los perros hambrientos, ¿se lo comerán? ¿cómo saldrá de esta?, pues a saber, porque nosotros nunca lo sabremos, simplemente el director cambia a otra escena y ya está el protagonista haciendo otra cosa… mmmmmm ¿y que paso con los perros? ¿cómo salió del problema?. No se, quizás es que podía pasar algo interesante y se habría cargado la (i)lógica de la película.


Bueno, pues tras una de cal y otra de arena en las películas del día, nos vamos a descansar y mañana más, con otra triple sesión, incluida la primera que veremos de Guy Maddin.

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Crónica del Festival de Cine de Autor de Barcelona 2011 - Día 2

El segundo día del Festival fue una buena prueba de aguante ya que vimos tres películas seguidas, durando la última de ellas casi dos horas y media. Lo mas curioso es que la calidad de las mismas fue in crescendo, la primera la mas floja y la última la mejor, aunque eso si, aún no hemos visto ninguna película en el Festival (y ya van cinco) que nos haya convencido totalmente.

El día cinematográfico empezaba a las seis de la tarde, con el pase de la película para televisión, L’illusion comique, rareza francesa dirigida por el inclasificable actor-director Mathieu Amalric.

Un padre busca desesperadamente a su hijo, que huyó de la casa hace diez años, cansado de la tiranía paterna. Un corresponsal misterioso, Alcandre, "el hombre con llaves de oro" de un gran hotel parisino y detective aficionado, pretende revelar el destino del joven, grabado en cintas de video vigilancia.

Para su nueva película como director, Amalric recibió un encargo de la Comédie Française, que él aceptó de buen grado. Se trataba de adaptar una obra clásica en cinco actos de 1969 del gran Pierre Corneille, L’illusion comique. Lo primero que hizo Amalric fue situarla en un hotel parisino en la actualidad, pero conservando los textos alejandrinos. La verdad es que esta decisión del director convierte a esta película, en algo, aunque no novedoso porque ya se ha visto en otras películas, pero si arriesgado, ya que el hecho de trasladar una tragicomedia alejandrina del siglo XVII a nuestros tiempos cae en la complicación de alejar al público de la trama. Aunque consigue que finalmente entremos en este mundo, quizás la historia es demasiado de su tiempo y ahora se ve con mas distanciamiento. No podría decir que es una mala película, pero realmente tampoco me ha convencido en demasía. Eso si, los actores de la Comedia Francesa están excelentes.


La segunda película del día era la sur coreana Oki’s Movie del director de culto Hong Sang-soo.

La película presenta un triángulo amoroso entre una estudiante de cine, un profesor y un antiguo compañero de clase. Los tres personajes aparecen en cuatro historias diferentes. Un triángulo amoroso a lo largo del tiempo, en el que cada nueva relación es como un eco de la anterior.

Interesante base la de la nueva película de Sang-soo, con esos cuatro relatos de la misma historia de amor, situada en diferentes momentos de la vida de sus protagonistas y vistas desde la perspectiva de cada uno de ellos. Pero quizás la película da en algunos momentos la sensación de que se le acaban las ideas y que no sabe bien que contar, ya que las tres historias se hacen demasiado repetitivas, y eso que tocan momentos diferentes. Quizás el problema es no haber tratado cada segmento como una película independiente, dándole así mayor sensación de sorpresa. Pero bueno, a pesar de eso, es una película a ratos interesante y que se sigue con gracia.


Y por último la tercera película del día, Cold Fish la nueva cinta del inclasificable director japonés Sion Sono.

Shamoto tiene una pequeña tienda de peces tropicales que le permite una aburrida pero estable vida. Su segunda esposa Taeko, no se lleva muy bien con su hija Mitsuko, y eso le preocupa. Además, él también se siente de algún modo incompleto e insatisfecho con la vida que tiene. Un día, Mitsuko es sorprendida robando en un almacén. Allí se encontrará con un amable hombre llamado Murata que la ayudará a calmar las cosas entre ella y el director de la tienda. Murata también es dueño de una tienda de peces, y entre ellos nacerá una amistad. Mitsuko empezará a trabajar para Murata y vivir en su casa para evitar conflictos con su madrastra. Todo parece perfecto, pero Shamoto hará un sorprendente descubrimiento que puede cambiarlo todo.

Basada en hechos reales, la nueva película de Sion Sono es toda una mezcla de géneros, desde la comedia, al terror, la acción, el cine negro o el drama. Este batido de sensaciones tiene como siempre una parte positiva y otra negativa. Lo positivo y negativo se confluyen, ya que por ejemplo a pesar de sus casi dos horas y media la película no se hace pesada en ningún momento, aunque quizás un poco menos de metraje no le habría hecho ningún daño. También es interesante esa forma de pasar de la comedia al terror en pocos segundos, aunque quizás a veces eso confunde a la gente riéndose en cosas quizás mas macabras, pero claro, es que llega el punto que no sabes cuando se pone serio o se pone gracioso. Algunos actores están bastante bien, otros bastante sobreactuados. Esa es la sensación de dualidad que te produce la película cuando la estas viendo, con momentos mas brillantes y otros mas gratuitos. Aún así, finalmente la película es un buen entretenimiento.


Y el día finalizó, tocaba descansar porque hoy dos películas más, así que no os perdáis esta noche la nueva crónica!!!

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